El escultor moderno Leo Amino, que alcanzó fama en el mundo del arte de la posguerra pero luego desapareció de la vista, ha experimentado un renacimiento del interés público en los últimos años. En medio de la nueva atención que está recibiendo el trabajo de Amino, es interesante recorrer el camino que lo llevó a su fama inicial.
Nació como Ichiro Amino el 26 de junio de 1911. Su lugar de nacimiento fue Taiwán (entonces parte de Japón), donde su padre estaba en una asignación agrícola para el gobierno japonés. Amino creció en Tokio. Si bien sus padres eran artísticos (su padre practicaba la caligrafía y su madre estaba interesada en el ikebana), no recibió ninguna formación académica en arte.
En 1929, el joven Amino viajó a los Estados Unidos y se matriculó en San Mateo Junior College. Al año siguiente, Nichi Bei Shinbun registró que él era uno de un grupo de estudiantes japoneses recién llegados a los Estados Unidos que estaban siendo honrados en una ceremonia para nuevos miembros en la YMCA japonesa en San Francisco.
Después de dejar San Mateo, Amino empezó a trabajar en un banco japonés en San Francisco. Finalmente se cansó de su trabajo y en 1935 se mudó a la meca artística de Greenwich Village en Nueva York. Asistió brevemente a la Universidad de Nueva York y luego aceptó un trabajo en una empresa importadora de madera japonesa. Utilizando muestras de ébano que llevaba a casa del trabajo para tallar, se lanzó a la escultura como artista autodidacta. En algún momento durante este período, adoptó el nombre americano "Leo".
En 1937, Amino se matriculó en la American Artists School de Nueva York, donde tomó clases de “talla directa” con el renombrado escultor Chaim Gross. El tallado directo está diseñado para producir formas estructurales simplificadas que enfatizan las propiedades naturales de los materiales, como la veta de la madera. En 1938, Amino viajó a Inglaterra, donde conoció al artista Henry Moore. También se inspiró en gran medida en el trabajo de artistas surrealistas como Joan Miró y Jean Arp.
En un tiempo sorprendentemente corto, Amino se había desarrollado lo suficiente como artista como para ser invitado a presentar en exposiciones públicas. Su primera oportunidad se produjo en enero de 1939, cuando su obra fue incluida en una exposición del colectivo United American Sculptors en la New School for Social Research. Art Digest señaló: “Leo Amino ha tallado con amor una madre y un niño en madera que explota la veta con sensibilidad”.
Otro descanso llegó ese mismo año cuando fue invitado a exponer junto con Isamu Noguchi en la Feria Mundial de Nueva York. Asimismo participó en una exposición en International House, cerca de la Universidad de Columbia. La exposición, titulada El grupo más joven de artistas japoneses , presentó el trabajo de Amino junto con el de otros artistas issei y nisei.
En enero de 1940, Amino, que todavía tenía 28 años, realizó una primera exposición individual de su escultura en la Galería Montross en el centro de Manhattan, en la que presentó 20 piezas talladas en madera. Caryle Burrows, escribiendo en el New York Herald Tribune, destacó la seriedad del escultor y su técnica. "Si el propio Sr. Amino parece una personalidad remota, sus tallas, que presentan una síntesis del tema generalmente desprovista de todo detalle natural, están aún más alejadas de la realidad". No obstante, Burrows ensalzó la naturaleza expresiva de obras como “Embrace”, “Flight” y “Lamentation”.
El crítico Howard Devree, escribiendo en The New York Times , elogió el hábil uso que hace el artista de las vetas de la madera en obras como “Ballet Dancer” y “Neanderthal Man”, así como su “fuerte, aunque no plenamente desarrollado, sentido del ritmo”. Poco después, “Lamentation” apareció en una exposición de United American Sculptors en la New School for Social Research, y una fotografía de la escultura apareció en el New York Times. Mientras tanto, “Struggle” apareció en una exposición de United American Artists en el Rockefeller Center y fue descrita como “excelente” en una reseña del New York Times escrita por el crítico Edward Alden Jewell.
En diciembre de 1940, Amino realizó otra exposición en la Galería de Artistas. “JL”, escribiendo en Art News , describió a Amino como “un artista japonés que somete su material a una superficie suave y satinada” y elogió obras como “Billiard Player” y “Unyielding Spirit” por su increíble poder emocional. Esta vez, el crítico Howard Devree fue más negativo y se quejó en el New York Times de que el enfoque del artista era "demasiado moderno" y distorsionado. El juicio estético de Devree puede haber sido moldeado por factores políticos: denunció a Amino por falta de humor por incluir una pieza llamada “Lynching” (una escultura de ensamblaje de una figura inmóvil colgando de un árbol) que Devree calificó como “difícilmente el tipo de cosa para contemplar en el casa mientras bebe el café de la mañana”.
Como para compensar las críticas de Devree, Ruth Green Harris publicó un artículo en el Times dos semanas después elogiando la técnica de escultura en madera de Amino: “El enfoque de Leo Amino difiere algo del de Chaim Gross. Él también preservaría el carácter leñoso de la madera, pero está menos interesado en la cualidad del carácter arbóreo. Esto puede deberse en parte a que sus composiciones son de tamaño pequeño y a menudo están diseñadas teniendo en mente el interior pequeño”.
En septiembre de 1941, Amino expuso en dos lugares que le resultarían hogares de larga data. Primero, contribuyó a una exposición en la Galería de Artistas. Mientras tanto, montó una exposición de esculturas unipersonal en el Clay Club (ahora conocido como SculptureCenter).
Helen Boswell escribió un comentario positivo sobre esta última exposición en Art News (que también reprodujo la obra de Amino “Torso in Concave No. 1”). A diferencia de Howard Devree, Boswell destacó "Lynching" para recibir un elogio especial: "Entran en juego superficies correlativas cóncavas y convexas, divididas por crestas caligráficas". Carlyle Burrows nuevamente elogió a Amino, mencionando el “simbolismo poético” en obras como “Despair”, “Lamentation” y “Renunciation”.
Howard Devree, por su parte, fue más positivo acerca de este espectáculo que su predecesor, escribiendo en el New York Times que Amino “parece estar trabajando en una vena abstracta y decorativa más formal, conservando su sentimiento poético por las masas curvas y las líneas fluidas y haciendo un uso sorprendente de la veta de la madera”.
Aunque Leo Amino mantuvo poca conexión visible con Japón o las comunidades japonesas locales en la década de 1930, su vida estuvo influenciada por la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Como enemigo extranjero, estaba sujeto a restricciones en sus movimientos y cuentas bancarias. A raíz de Pearl Harbor, se unió al grupo de artistas japoneses de Nueva York liderados por Yasuo Kuniyoshi que firmaron una resolución antifascista condenando el ataque de Japón y prometiendo pleno apoyo como artistas al esfuerzo bélico, ofreciendo “llevar las armas si fuera necesario para asegurar el final”. victoria para las fuerzas democráticas del mundo”.
Según una fuente, Amino trabajó como traductor durante los años de la guerra en la Marina de los EE. UU. Ciertamente, su activa actividad expositiva antes de la guerra se detuvo en los meses siguientes, aunque en enero de 1942 su obra "Mujeres lavándose" se presentó en una exposición en la Plainfield Art Gallery de Nueva Jersey.
En 1943 Amino montó una nueva exposición en la Galería de Artistas, esta vez de composiciones en madera y yeso. El artista explicó que estas nuevas obras siguieron su concepto de “integrar el espacio como elemento positivo en la composición”. Art Digest , que reprodujo “Pieta” de Amino al estilo de Henry Moore, expresó ambivalencia. El crítico elogió el talento del artista para la escultura en madera, afirmando que “parece conocer sus vetas y marcas de una manera casi clarividente”, pero tenía dudas sobre los méritos de las obras en yeso.
A lo largo de ese año, Amino participó en otros programas. En marzo su trabajo fue parte de una exposición en Puma Gallery. En octubre, contribuyó a un espectáculo en el Clay Club. Posteriormente participó en una muestra navideña en la Galería de los Artistas.
Después de diciembre de 1943, Amino no mostró su trabajo durante otros 15 meses. No obstante, continuó desarrollando su arte, tanto en la técnica como en los materiales. En marzo de 1945 realizó una nueva muestra de obras en magnesita, un mineral carbonatado, en la Galería Bonestell. Carlyle Burrows informó sin aliento sobre el progreso que Amino había hecho con la magnesita, citando particularmente las piezas “Temptress” y “Motherhood” por su “elegante contorno, dignidad de proporción y color delicado”.
Art Digest , que reprodujo “Mother and Child”, expresó su aprecio por el logro técnico del medio y el “énfasis del artista en ritmos fluidos, fuertemente diseñados”. El programa ganó exposición adicional cuando el New York Times publicó una fotografía del trabajo de Amino "Calla Lily", una flor abstracta con un pistilo que parecía una antena parabólica de televisión.
Si bien Amino en general se había resistido a identificarse con Japón y se había mantenido alejado de las comunidades japonesas estadounidenses, cerca del final de la guerra aceptó unirse a la junta ejecutiva del Arts Council of Japanese Americans for Democracy, un grupo antifascista dirigido por Yasuo Kuniyoshi. Amino también contribuyó a una exposición colectiva de artistas Issei y Nisei patrocinada por War Relocation Authority y JACL, entre otros grupos. Quizás simbólicamente, la contribución de Amino fue una talla en madera titulada “Abrazo”.
La exposición se inauguró por primera vez en mayo de 1945 en el New Jersey College for Women (ahora Douglass College) en New Brunswick, Nueva Jersey. Después de esta presentación inicial, la exposición se trasladó a Chicago, Cleveland, Ann Arbor, Michigan y Rochester, Nueva York, proporcionando así a Amino su primera exposición nacional real. El escenario estaba preparado para el ascenso de Amino a la prominencia durante la era de la posguerra.
© 2022 Greg Robinson
