プロデューサーの特別な許可を得て、私は、恋風、げんしけん、クレイモアなどの日本のアニメやマンガシリーズの音楽作曲家であり、有名な作詞家である内匠正則が書いた新しいポップソングのプライベートレコーディングセッションに参加することができました。内匠は現在、東京とロサンゼルスの両方で音楽を作っています。
テレビ番組や映画の作曲で成功して以来、正則はJ-POPのジャンルにもシームレスに移行し、EXILE、AAA、そして「Thank you Summer Love」を歌ってビルボード1位を獲得した女性ボーカルグループKARAなど、日本のミュージシャンと曲を書き、いくつかのヒット曲を生み出してきました。彼の曲の1つが日本や韓国のビルボード100にランクインすることは、業界にとって大きな成果であるだけでなく、正則の言葉を借りれば、「自分の曲が演奏され、他の人と共有できることは、長年の努力と音楽への献身がどれほど価値あるものであったかを思い出させてくれる」のです。
多くの人が気づいていないのは、新しいポップ ミュージックのレコーディング セッションは、実際には世界の音楽の中心地であるロサンゼルスで考案され、レコーディングされているということです。Masanori は、東京とロサンゼルスの両方で定期的に仕事をしています。今日のデジタルの世界では、音楽トラックのレコーディングはさまざまな大陸で行われ、それらを結合して完成品を作ることができます。これは、音楽の積極的なグローバル化と言えるでしょう。
日本とロサンゼルスの異文化融合は、アメリカの制作技術とエンジニアリング技術が融合した興味深いパフォーマンスを生み出します。このようなコラボレーションは、既存のポップ ジャンルの中に、驚くほど新しい新鮮なサウンドとスタイルを生み出します。音楽において、音楽的に異種交配したいという願望は昔から存在していますが、音楽チャートに載る最終製品を生み出すことに成功できるのは、ほんの一握りの人だけです。
カリフォルニア州マリブでの正則との出会い
ロサンゼルス北部の高級な沿岸地域で、多くのハリウッド俳優やミュージシャンが住むマリブで最近行われたスタジオセッションで、マサノリはヘッドセットを着けてドラムセットの後ろに座って、共同作曲した曲のトラックを演奏していた。
ドラムトラックの録音が終わると、ベーシストがレコーディングルームに入ってくるだろうと私は予想していたが、正則はドラムスティックを置いて、グランドピアノの横のスタンドに置いてあったエレキベースを手に取った。エンジニアが録音ボタンを押すと、正則は最初のパスで、まるでそれが自分の主な楽器であるかのようにベースを演奏した。私は心の中で「ちょっと待てよ、彼はギタリストかと思ったよ」と思った。プロデューサーとレコーディングブースの全員が満面の笑みを浮かべ、プロデューサーは「これはキープだ、次に進もう」と叫んだ。
その時点では、誰かがピアノに座っているのだろうと思っていたのですが、遊ぶ子供のように、正則は素早くピアノのベンチに飛び乗って、アメリカの歌「星条旗」を弾きながら指を動かし始めました。みんなが笑い、正則もスタジオのガラス越しに私たちと一緒に笑いました。言うまでもなく、ピアノのトラックはセンス良く演奏され、彼はメインの楽器であるギターで締めくくりました。私はまさに「匠」を目撃したのです。これは「楽器の旋風があまりにも巧みに演奏され、見る人を圧倒する」という意味の新しい表現です。彼はそこにいるすべての人を魅了します。
シャーマンオークス・ギャラリアでの正則氏へのフォローアップインタビュー
あなたは多才なミュージシャンですね。どうしてそんなにたくさんの楽器を演奏できるのですか？
正直に言うと、私は楽器の演奏方法を一度も習ったことがありませんでした。小学校の頃から音楽にはまっていました。日本のほとんどの子供たちは学校でリコーダーを演奏し始め、私は独学でメロディーを演奏し始め、やがて曲全体を演奏するようになりました。
ある時、私は学校のブラスバンドに参加し、トランペットから始めました。その後、休み時間にはメンバー同士で楽器を交換して楽しく過ごし、ドラムやパーカッション、ピアノなど他の楽器を演奏する機会を得ました。
その後、13歳くらいの頃、クラスメイトの1人とバンドを組み、私はドラムを選びました。そして、子供の頃にやっていたように、お互いの楽器をふざけて交換し、私はギターとベースを弾き始めました。楽器を演奏することは私の趣味のようなもので、ギターやベースを弾くように強制された人は誰もいませんでした。ただ、それらを手に取ってもっと学ぶのを楽しみにしていました。私が進歩し、音楽に興味を持つようになったのは両親のおかげです。音楽を習うように強制しなかった両親に感謝しています。
プロになってから、複数の楽器を演奏するという概念が私の職業生活にも引き継がれました。複数の楽器を演奏する機会がたくさんありました。ピアノを習ったとき、ギター、ベース、ドラムの演奏方法を本当に理解することができました。そして、ギターを演奏したとき、ピアノ、ドラム、ベースの演奏をよりよく理解することができました。
それぞれの楽器を理解することは、音楽全体のスキル向上に寄与し、それぞれの楽器の潜在的な貢献に目を向けさせてくれると思います。また、曲を書くときにパートを想像できるので、すべてがまとまりやすくなります。非常に才能のある人々とクリエイティブな環境で仕事をすることで、他のミュージシャンの楽器に関する専門知識を観察し、彼らの技術を習得する素晴らしい機会を得ることができました。それが、私がマルチプレイヤーになれる理由です。才能のある人々と接し、ためらうことなく別の楽器を手に取る機会があるからです。」
あなたが楽器を演奏するとき、とても簡単に滑らかに演奏しますね。音楽への愛に気づいたのは何歳のときですか？また、子供時代の思い出や影響を受けた人は誰ですか？
すごく幼かった頃、つまり8歳くらいの頃、叔父の西城秀樹が歌っているのを聞いて泣き出した瞬間を覚えています。とても感動し、今でもその感覚を昨日のことのように思い出すことができます。音楽と感情が私たちの気持ちに働きかける魔法なのでしょう。その瞬間が私のモチベーションです。
音楽への興味を除けば、私は普通の子供でした。家にいるときは他のことをして、学校にいるときだけ音楽を練習していました。私が音楽の道に進むきっかけとなった決定的な瞬間の 1 つは、13 歳のときに X JAPAN の伝説のロックスター、 YOSHIKIのミュージック ビデオを見たときでした。彼は日本で育った私の主な影響源になりました。彼は素晴らしいメロディーと素晴らしいロック スピリットで私を刺激してくれました。
その日から、僕は根拠のない自信を持ってプロのミュージシャンになろうと決意した。YOSHIKIのドラムとメロディーセンスに魅了され、他の子供たちと同じように大きな夢を抱いて突き進んだ。
私は、成長して自分で音楽への愛を見つけることができて幸せです。親は子供に音楽に触れさせてあげてもいいけど、無理強いはしないでほしいと思います。何かを強制すればするほど、子供はあなたが望むことを嫌がるようになると思います。ですから、子供が遊びたければ、音楽を発見したいように遊ばせてください。そうすれば、それは個人の欲求になります。
あなたはお母様と仲が良いようですが、お母様があなたの音楽キャリアの追求をどのようにサポートしてくれたのか教えていただけますか？
読者の皆さんは、日本で最も有名な歌手の一人である私の叔父、西城秀樹のことをすでにご存知かもしれません。
彼は私の母の弟で、偶然にも私の母もミュージシャンではないのに、聴衆が音楽に対してどう感じているかをいつも私に伝える天性の才能を持っています。例えば、私が20歳のとき、最初の曲を書いてスタジオで録音し、母に聴いてもらいました。母は困惑した声で「コーラスはどこですか？ 」と言いました。私はがっかりしましたが、聴衆にとって曲の最も重要な側面が何であるかに気づきました。聴衆が聞きたいことを尊重する必要があると思います。なぜなら、彼らは私たちの音楽を支持してくれ、私たちの音楽を買ったり、コンサートに行ったりすることで私たちがミュージシャンとして生活できるようにしてくれるからです。私の母の意見は、私の作曲に対する考え方の転換点となりました。彼女の反応は実際に私の考え方に影響を与え、それ以来私はアプローチを変えました。今なら笑えますが、当時は笑っていなかったと思います…（彼は満面の笑みで私を見ています）
アニメやマンガの作曲というプロの世界に踏み出す準備ができたと感じるまで、どのくらいかかりましたか？アメリカでは、アーティストは「代償を払わなければならない」という理解、または表現があります。つまり、成功への道は必ずしも容易ではなく、時には低賃金で働いたり、次のレベルに到達するためにあまり興味のない仕事をしたりしなければならないということです。
私は日本のSirenというグループと仕事をしていましたが、そのプロジェクトが終わったとき、私が知り合った人たちが私を音楽業界のエージェントに紹介してくれました。私はずっと自分の曲やインストゥルメンタル曲を書いてプロデュースしてきたので、エージェントとつながったときには、もう準備はできていました。タイミングが良かったのです。成功は才能とタイミング、そして正しい選択の両方に関係していると思います。
一番大切なのは、自分が好きなことをすることだと思います。私の場合は、常に音楽でした。自分のやっていることは並外れたものだ、あるいは音楽家としてのキャリアを追求し続けるに十分なほど特別なものだと、プロの仲間から確認してもらえることがほとんどです。建設的で誠実なプロに囲まれ、次のレベルへと引き上げてもらえることは、成長中の若いミュージシャンにとって最高の状況です。グループで仕事をすることができなければなりませんが、それは私にとって常に喜びでした。日本やアメリカで新しいプロデューサー、アーティスト、ミュージシャンに会うのは本当に楽しいです。
あなたの旅はどのようなものでしたか？そして、日本の音楽シーンで大きな転機を迎えたのは何だったと思いますか？
私は20歳のときにプロとして曲を書き始め、5年後にアニメの世界で作曲家として最初の仕事を得ました。ポップス界で大きな転機を迎えたのは、私が書いたポップバラードの1つ「変わらないもの」が、日本で最も有名なボーイズバンドであるEXILEに歌われたときでした。この曲は非常に人気があり、J-Popの作曲家として私を次のレベルに引き上げた曲でした。この曲が収録されたアルバムは、日本で100万枚以上売れました。この1曲は、当時彼らが最高の歌手だったため、私の創造的な心を大きく変えました。それは今日でも変わりません。彼らは今でもとても人気があります。彼らと一緒にヒット曲を出したことで、私の自信と創造性のレベルが高まりました。
これまでのお気に入りのプロジェクトは何ですか？また、その理由は何ですか？
私は Sly & Robbie のレゲエ音楽プロジェクトに携わるのが楽しくて、次のグラミー賞ノミネートを楽しみにしています。ソニー ジャパンの素晴らしいクリエイティブ チームや、驚くほど才能のあるアーティストたちと一緒に仕事ができるのは、本当に素晴らしい機会です。レゲエ音楽はとてもポジティブで気分を高揚させ、出身地に関係なく、みんなの顔に笑顔をもたらします。ほとんどの人がレゲエが好きなのは、踊りたくなるからですよね。
あなたの曲「Call」は日本のグラミー賞、レコード大賞にノミネートされました。曲を聴きましたが、とても明るいダンスソングですね。このようなスタイルの曲はどのように書くのですか？
「Call」を書いているときは、まずBPM、つまりリズムパターンとテンポを決めて、その後にコード進行を書きました。そしてトップライン、つまりメロディーを歌いました。初めてアメリカの共作スタイルをやりました。いつもはトップラインを先に書くのですが、この曲の場合はビートの雰囲気を作る必要があったので、違ったやり方をしました。
ほとんどの場合、コーラスの特定のセクションでは、トップライン（メロディー）が頭から出てきます。しかし、頭の中にメロディーが思い浮かばない場合は、楽器でトップラインを作らざるを得ないこともあります。
「Call」という曲が勢いを増していると初めて聞いたとき、どう思いましたか？
この曲がリリースされるという知らせを初めて聞き、大ヒットを予想したのは、2012年8月にロサンゼルスにいた時でした。ロサンゼルスで一人で車を運転するのは初めてで、マリブのパシフィック コースト ハイウェイを走っていた時、日本からマネージャーから電話がありました。そのニュースを聞いてとても興奮し、すぐにウェブサイトにアクセスして、新しいアルバムに関する興奮と「話題」を目にしました。
そして発売後、ちょうどレコード大賞のノミネート発表の時期でした。冬だったので、その夜のことはよく覚えています。まさか自分の曲がノミネートされるとは思ってもみず、何の期待もせずにノミネートのニュースがネットで発表されるのを何気なく待っていたのを覚えています。本当に、自分の曲にはあまり注目していませんでした。そして、レコード大賞のサイトに行ってみたら、自分の曲がノミネートされていてびっくり！深夜にも関わらず、思わず母に電話して知らせました。母は大喜びでした！
© 2015 Rachelle Cano
