A artista Yonsei Lauren Iida e eu nos conhecemos online anos atrás, quando a entrevistei no Camboja. Desde essa conversa, a sua prática artística expandiu-se e aprofundou-se, tal como o seu empreendedorismo e orientação - todos estes factores tornam a sua carreira emocionante de assistir. Suas belas e evocativas obras de arte de corte de papel incluem Memory Net, a série 100 Aspects of the Moon e a série 32 Aspects of Daily Life . Muitos deles baseiam-se em sua herança nipo-americana e em pesquisas históricas, e muitas vezes são inspirados em antigas fotografias de família.
Nos últimos anos, o trabalho de Iida alcançou públicos maiores, com seu trabalho sendo traduzido para murais em toda a área de Seattle, bem como no Camboja. Em Março de 2021, juntamente com um aumento nos ataques anti-asiáticos nos Estados Unidos, uma destas peças de arte pública foi vandalizada. Inspirado na tradição artesanal japonesa do kintsugi, Iida optou por reter e destacar os danos costurando a peça com marcenaria dourada.
Atualmente, Iida divide seu tempo entre sua cidade natal, Seattle, e Siem Riep, no Camboja. De acordo com o site do estúdio , “Open Studio Camboja é um coletivo de artistas com sede em Siem Reap, Camboja, porta de entrada para os antigos templos de Angkor Wat. Fundado em 2018, o Open Studio Camboja orienta, representa e fornece suprimentos e estúdio comunitário e espaço de galeria para um pequeno grupo de artistas contemporâneos locais. Entre seus muitos projetos, Iida também tem trabalhado como Artista Residente na organização de história nipo-americana Densho .
Durante uma longa visita a Seattle, Iida reservou algum tempo para falar comigo por e-mail sobre o escopo de sua carreira e sua poderosa exposição em Seattle, em janeiro de 2022.
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Tamiko Nimura (TN): Qual o papel que sua identidade Nikkei e história familiar desempenharam em sua carreira artística? —Quando isso começou a desempenhar um papel, e você viu esse papel mudar ou se desenvolver ao longo do tempo para você como artista?
Lauren Iida (LI): Minha prática artística se tornou uma forma de explorar minha identidade Nikkei e uma lente para refletir sobre ela. Criar arte sobre a história nipo-americana me levou a focar na pesquisa ao longo de minha carreira artística de uma forma abrangente que continua a evoluir e me levar por novos caminhos de investigação.
TN: Quem você descreveria como suas influências artísticas em seu trabalho artístico de corte de papel? E no seu empreendedorismo?
LI: Meu trabalho artístico recortado em papel, que agora expandi para incluir substratos permanentes para projetos de arte pública de grande escala — como metal cortado, mosaico de azulejos e murais pintados — concentra-se principalmente na minha herança JA nos últimos anos. Sempre reuni inspiração para o meu trabalho nas minhas experiências pessoais e no ambiente imediato, que também incluíram as minhas raízes no Noroeste do Pacífico e a minha longa relação com o Camboja.
Trabalho em projetos de empreendedorismo social e mentoria artística no Camboja desde 2008 e ainda apoio artistas emergentes através do meu projeto fundado em 2018, Open Studio Camboja.
TN: Embora parte do seu processo artístico com corte de papel intrincado tenha significado - no caso de uma de suas obras famosas, Memory Net - deixar as obras irem, uma vez que elas se desintegram. (Como um escritor que investiu na permanência do meu trabalho, sou fascinado por esta parte de deixar o trabalho ir.) Você pode dizer mais sobre como o “deixar ir” faz parte do seu processo? Qual é a sensação de deixar isso passar?
LI: The Memory Net , uma instalação temporária em andamento feita com mais de 9 metros de papel cortado à mão, é de natureza efêmera. A Rede de Memória “desenterra memórias” que se expressam como objetos simbólicos “presos” na rede de papel recortado. Podemos revisitar essas memórias e depois deixá-las afundar de volta no espaço indefinido onde as memórias existem. Podem ser memórias de um lugar, memórias de indivíduos ou memórias coletivas de uma comunidade. Não vivemos necessariamente todos os dias com as nossas memórias, boas ou más, mas o projecto Memory Net oferece uma forma de revivermos e honrarmos temporariamente as memórias que sempre existirão num plano de existência invisível.
A destruição destas redes de papel é proposital da minha parte, pois brinco com elas e viajo com elas, tiro fotos para guardar mas deixo a frágil rede voltar para a Terra, sabendo que sempre cortarei outra.
Aqui está uma declaração de Kascha Snavely (proprietária da galeria de arte The Vestibule em Seattle) que ajuda a explicar mais sobre este trabalho.
Lançando a Rede (texto de parede)
Em inglês, dizemos que “perdemos uma memória”. A frase sugere que a memória foi abandonada, perdida, mas não desapareceu. Uma memória, uma perda, pode parecer ausente nas nossas vidas, mas ainda presente de alguma outra forma, talvez num plano de existência invisível. Dizemos que “desenterramos” uma memória. A memória afunda, flutua, mas com a linha certa, podemos apanhá-la – um objeto retirado das profundezas.
Podemos morar em uma casa e sentir falta de outra, como a artista vive entre suas duas casas, Kampot, Camboja e Seattle, Washington. Não tendo um espaço físico permanente para se referir, como muitas pessoas fazem, ela se vê aderida à estrutura como uma concha de caracol. Perpetuamente nômade, a artista carrega sua rede de um lugar para outro. É simultaneamente um apêndice, um fardo, uma fonte de inspiração e um lugar seguro de refúgio. A partir deste amálgama de representações tangíveis de memórias outrora exclusivamente efémeras, é tecida uma estrutura que se torna então a sua nova “casa”.
A Rede de Memória é lançada para desenterrar objetos das casas aqui e agora e, se possível, trazê-los à superfície novamente. No papel, a perda aparece tal como é: uma ausência, uma perda de papel. À luz, o papel que falta não nos deixa nada além de uma sombra projetada. Os objetos de memória ficam presos por tempo suficiente para dar sentido a eles, mas são frágeis demais para serem tocados.
TN: Uma questão relacionada: algumas de suas obras são agora instalações de arte públicas permanentes. As instalações permanentes parecem diferentes das peças de arte em papel mais temporárias, e como?
LI: Sim, tenho trabalhado em vários projetos de arte pública nos últimos anos, incluindo a Redmond Sound Transit Station (mosaico de azulejos), um mural para a Plymouth Housing (mural pintado) e o Washington State Convention Center Addition (metal cortado ), entre outros. Adoro ver o quão versátil meu papel cortado pode ser, pois preenche a lacuna entre os trabalhos 2D no papel e a instalação escultural em 3D. Adoro partilhar com o público a Memory Net e outras imagens, apresentadas em forma de arte pública em grande escala, e estou realmente ansiosa por continuar nesta direção.
TN: No Open Studio, coletivo de artistas que você dirige no Camboja, você vive, trabalha e orienta outros artistas. Você pode falar sobre o papel da mentoria na sua carreira artística? Como é sua mentoria agora (orientando outros artistas) e o que (ou quem, como modelos) preparou você para ser mentor?
LI: Trabalho com um pequeno grupo de artistas contemporâneos cambojanos emergentes através do meu projeto fundado em 2018, Open Studio Camboja. Os artistas com quem trabalho principalmente são de origens pobres e venceram todas as adversidades para seguir carreiras nas artes plásticas. Um artista, Kim San, é um ex-refugiado do Khmer Vermelho e mestre pintor a óleo. Morn Chear obteve grande sucesso como gravador, apesar de ter perdido os dois braços em um trágico acidente. Van Chhovorn é um pintor que conta a história de ter sido escravizado em um barco de pesca durante anos por meio de suas obras de arte. O Open Studio Camboja começou em meu estúdio caseiro em uma escala muito pequena, simplesmente fornecendo materiais de produção artística de alta qualidade para artistas cambojanos emergentes em minha área. Quatro anos depois, o Open Studio Camboja já recebeu diversas exposições nos EUA, em Paris e em todo o Camboja. Os artistas que apoiamos ainda estão prosperando devido à Covid, pois aprendemos a nos adaptar às vendas on-line e a permanecer conectados remotamente.
Meu caso de amor com o Camboja começou em 2008, quando acabei lá como turista, mas só comecei a trabalhar seriamente nas artes lá em 2018. Devido ao direcionamento do Khmer Vermelho para artistas e criativos no final dos anos 1970, a cena artística no país só agora está se recuperando e começando a agitar a região. Ver as necessidades de artistas em dificuldades - muitas vezes autodidatas e que vivem em extrema pobreza - foi minha motivação inicial para ver o que eu poderia fazer em termos de compartilhamento de habilidades, doação de materiais de arte e aconselhamento sobre melhores práticas, o que acabou se transformando em mais um papel de mentoria e representação de longo prazo.
Acho que minhas maiores influências para esse tipo de trabalho foram meus professores mais atenciosos no Cornish College of the Arts, a prestativa e generosa Galeria Artxchange e minhas experiências trabalhando na educação artística em Seattle com jovens e adultos sem-teto em recuperação através do Sanctuary Arts and Path. Com Arte.
TN: Conte-nos um pouco sobre sua próxima exposição, Citizen's Indefinite Leave , que será inaugurada na ArtxChange Gallery de Seattle em janeiro de 2022. Você a descreveria como uma extensão (ou um afastamento) de seu trabalho anterior, e como?
LI: Minha próxima exposição individual abre na Galeria Artxchange no dia 6 de janeiro das 17h às 19h (Primeira quinta-feira Art Walk Pioneer Square) com recepção adicional no dia 15 de janeiro das 13h às 16h (pré-inscrição obrigatória para horários de entrada ). Estou ansioso para apresentar este novo corpo de trabalho que é ao mesmo tempo uma extensão e um afastamento de meu trabalho anterior. Durante o isolamento e as incertezas da COVID, que passei principalmente no Camboja, comecei a contemplar os conceitos de confinamento, isolamento e acesso a lugares que chamamos de “casa”. Relacionei esses conceitos ao encarceramento de japoneses e nipo-americanos, incluindo minha família, durante a Segunda Guerra Mundial e criei um novo corpo de trabalho em papel cortado à mão e aquarela vívida, enquanto [eu] processava o que estava acontecendo comigo e o que havia acontecido aos meus antepassados.
Em termos de técnica, usei muito mais cores nesta série do que nos meus trabalhos anteriores. Usei aquarela, tinta e acrílico, muitas vezes em camadas, para dar nova vida a fotos históricas e brincar com novos temas de vida vegetal e personagens mitológicos tradicionais japoneses.
Tive o privilégio de ter a oportunidade de trabalhar em estreita colaboração com Densho, como um dos seus artistas residentes em 2021. Isto deu-me acesso total ao seu arquivista, que me ajudou a localizar algumas informações específicas sobre os meus antepassados imigrantes japoneses e os seus experiências desde a primeira chegada aos EUA há cerca de 125 anos. Com uma pesquisa mais profunda, este trabalho é de longe o meu mergulho mais profundo na história da minha família e estou muito entusiasmado em compartilhar este trabalho com o público.
© 2021 Tamiko Nimura
