O escultor moderno Leo Amino, que alcançou fama no mundo da arte do pós-guerra, mas depois desapareceu de vista, tem experimentado um renascimento do interesse público nos últimos anos. Em meio à nova atenção que o trabalho de Amino vem recebendo, é interessante reconstituir o caminho que o levou à sua notoriedade inicial.
Ele nasceu Ichiro Amino em 26 de junho de 1911. Seu local de nascimento foi Taiwan (então parte do Japão), onde seu pai trabalhava como agrícola para o governo japonês. Amino cresceu em Tóquio. Embora seus pais fossem artistas – seu pai praticava caligrafia e sua mãe se interessava por ikebana – ele não recebeu nenhum treinamento acadêmico em arte.
Em 1929, o jovem Amino viajou para os Estados Unidos e matriculou-se no San Mateo Junior College. No ano seguinte, Nichi Bei Shinbun registrou que fazia parte de um grupo de estudantes japoneses recém-chegados aos Estados Unidos que estavam sendo homenageados em uma cerimônia para novos membros no YMCA japonês em São Francisco.
Depois de deixar San Mateo, Amino começou a trabalhar em um banco japonês em São Francisco. Ele acabou se cansando de seu trabalho e, em 1935, mudou-se para a meca artística de Greenwich Village, em Nova York. Ele frequentou brevemente a Universidade de Nova York e depois conseguiu um emprego em uma empresa japonesa de importação de madeira. Usando amostras de ébano que levava para casa do trabalho para esculpir, ele se dedicou à escultura como um artista autodidata. Em algum momento durante esse período, ele adotou o nome americano “Leo”.
Em 1937, Amino matriculou-se na American Artists School, em Nova York, onde teve aulas de “escultura direta” com o renomado escultor Chaim Gross. O entalhe direto é projetado para produzir formas estruturais simplificadas que enfatizam as propriedades naturais dos materiais, como os veios da madeira. Em 1938, Amino fez uma viagem à Inglaterra, onde conheceu o artista Henry Moore. Ele também foi fortemente inspirado pelo trabalho de artistas surrealistas como Joan Miro e Jean Arp.
Num espaço de tempo surpreendentemente curto, Amino desenvolveu-se o suficiente como artista para ser convidado a apresentar-se em exposições públicas. Sua primeira oportunidade ocorreu em janeiro de 1939, quando seu trabalho foi incluído em uma exposição do coletivo United American Sculptors na New School for Social Research. Art Digest observou: “Leo Amino esculpiu com amor uma madeira Mãe e Filho que explora o grão com sensibilidade.”
Outra oportunidade veio no mesmo ano, quando foi convidado para expor junto com Isamu Noguchi na Feira Mundial de Nova York. Ele também participou de um show na International House, perto da Universidade de Columbia. A exposição, intitulada The Younger Group of Japanese Artists , apresentou o trabalho de Amino ao lado de outros artistas Issei e Nisei.
Em janeiro de 1940, Amino – ainda com apenas 28 anos – fez a primeira exposição individual de sua escultura na Montross Gallery, no centro de Manhattan, na qual apresentou 20 peças esculpidas em madeira. Caryle Burrows, escrevendo no New York Herald Tribune, destacou a seriedade do escultor e sua técnica. “Se o próprio Sr. Amino parece uma personalidade remota, suas esculturas, que apresentam uma síntese do tema geralmente desprovida de todos os detalhes naturais, são ainda mais desligadas da realidade.” Mesmo assim, Burrows exaltou a natureza expressiva de obras como “Embrace”, “Flight” e “Lamentation”.
O crítico Howard Devree, escrevendo no The New York Times , elogiou o uso habilidoso dos veios da madeira pelo artista em obras como “Ballet Dancer” e “Neanderthal Man”, bem como seu “forte, embora não totalmente realizado, senso de ritmo”. Logo depois, “Lamentação” foi apresentada em uma exposição dos Escultores Americanos Unidos na New School for Social Research, e uma foto da escultura foi publicada no New York Times. Enquanto isso, “Struggle” foi apresentado em uma exposição da United American Artists no Rockefeller Center, e foi descrito como “excelente” em uma crítica do New York Times pelo crítico Edward Alden Jewell.
Em dezembro de 1940, Amino realizou outra exposição, na Galeria dos Artistas. “JL”, escrevendo no Art News , descreveu Amino como “um artista japonês que subjuga seu material a uma superfície lisa e acetinada” e elogiou obras como “Billiard Player” e “Unyielding Spirit” por seu incrível poder emocional. Desta vez, o crítico Howard Devree foi mais negativo, queixando-se no New York Times de que a abordagem do artista era “muito moderna” e distorcida.” O julgamento estético de Devree pode ter sido moldado por fatores políticos: ele denunciou Amino como sem humor por incluir uma peça chamada “Lynching” (uma escultura de montagem de uma figura imóvel pendurada em uma árvore) que Devree chamou de “dificilmente o tipo de coisa a ser contemplada no casa enquanto toma o café da manhã.”
Como que para compensar as farpas de Devree, Ruth Green Harris publicou um artigo no Times duas semanas depois elogiando a técnica de escultura em madeira de Amino: “A abordagem de Leo Amino difere um pouco da de Chaim Gross. Ele também preservaria a amadeirada da madeira, mas está menos interessado na qualidade da arborização. Isso pode ocorrer em parte porque suas composições são pequenas e muitas vezes projetadas tendo em mente o pequeno interior.”
Em setembro de 1941, Amino expôs em dois locais que seriam seus lares de longa data. Primeiro, contribuiu para uma exposição na Galeria dos Artistas. Enquanto isso, ele montou uma exposição individual de escultura no Clay Club (agora conhecido como SculptureCenter).
Helen Boswell escreveu um comentário positivo sobre esta última exposição na Art News (que também reproduziu o trabalho de Amino “Torso in Concave No. 1”). Ao contrário de Howard Devree, Boswell destacou “Lynching” para elogios especiais: “Superfícies côncavas e convexas correlativas entram em jogo, sendo as superfícies divididas por cristas caligráficas”. Carlyle Burrows elogiou novamente Amino, mencionando o “simbolismo poético” em obras como “Desespero”, “Lamentação” e “Renúncia”.
Howard Devree, por sua vez, foi mais positivo sobre este show do que seu antecessor, escrevendo no New York Times que Amino “parece estar trabalhando em uma veia abstrata mais formalmente decorativa, mantendo seu sentimento poético por massas curvas e linhas fluidas e fazendo uso impressionante da fibra da madeira.”
Embora Leo Amino mantivesse pouca conexão visível com o Japão ou com as comunidades japonesas locais na década de 1930, sua vida foi influenciada pelo início da Segunda Guerra Mundial. Como estrangeiro inimigo, ele estava sujeito a restrições em seus movimentos e contas bancárias. Após Pearl Harbor, ele se juntou ao grupo de artistas japoneses de Nova York liderados por Yasuo Kuniyoshi, que assinou uma resolução antifascista condenando o ataque do Japão e prometendo total apoio como artistas ao esforço de guerra, oferecendo “portar armas se necessário para garantir o fim vitória das forças democráticas do mundo.”
De acordo com uma fonte, Amino foi contratado durante os anos de guerra como tradutor pela Marinha dos EUA. Certamente, a sua actividade expositiva antes da guerra abrandou até parar ao longo dos meses que se seguiram, embora em Janeiro de 1942 o seu trabalho “Women Washing” tenha sido apresentado numa exposição na Plainfield Art Gallery, em Nova Jersey.
Em 1943 Amino montou uma nova mostra na Galeria dos Artistas, desta vez com composições em madeira e gesso. O artista explicou que estas novas obras seguiram o seu conceito de “integrar o espaço como elemento positivo na composição”. Art Digest , que reproduziu “Pieta” de Henry Moore, de Amino, expressou ambivalência. O crítico exaltou o talento do artista para a escultura em madeira, afirmando que “ele parece conhecer seus veios e marcas de forma quase clarividente”, mas duvidou do mérito das obras em gesso.
Ao longo daquele ano, Amino participou de outros shows. Em março seu trabalho integrou uma exposição na Galeria Puma. Em outubro, contribuiu para um show no Clay Club. Mais tarde participou numa exposição de Natal na Galeria dos Artistas.
Depois de dezembro de 1943, Amino ficou mais 15 meses sem exibir seu trabalho. Mesmo assim continuou desenvolvendo sua arte, tanto na técnica quanto nos materiais. Em março de 1945 fez nova mostra de trabalhos em magnesita, mineral carbonático, na Galeria Bonestell. Carlyle Burrows relatou sem fôlego o progresso que Amino havia feito com a magnesita, citando particularmente as peças “Temptress” e “Motherhood” por seu “contorno gracioso, dignidade de proporção e cor delicada”.
Art Digest , que reproduziu “Mother and Child”, expressou apreço pela realização técnica do meio e pela “ênfase do artista em ritmos fluidos, fortemente desenhados”. O programa ganhou exposição extra quando o New York Times publicou uma foto do trabalho de Amino, “Calla Lily”, uma flor abstrata com pistilo que lembrava uma antena parabólica de televisão.
Embora Amino geralmente resistisse à identificação com o Japão e se mantivesse distante das comunidades nipo-americanas, perto do fim da guerra, ele concordou em se juntar ao conselho executivo do Conselho de Artes dos Nipo-Americanos pela Democracia, um grupo antifascista liderado por Yasuo Kuniyoshi. Amino também contribuiu para uma exposição coletiva de artistas isseis e nisseis patrocinada pela War Relocation Authority e pela JACL, entre outros grupos. Talvez simbolicamente, a contribuição de Amino foi uma escultura em madeira intitulada “Abraço”.
A exposição foi inaugurada em maio de 1945 no New Jersey College for Women (agora Douglass College) em New Brunswick, NJ. Após esta exibição inicial, a exposição mudou para Chicago, Cleveland, Ann Arbor, Michigan e Rochester, Nova York - proporcionando assim a Amino sua primeira exposição nacional real. O cenário estava montado para a ascensão do Amino à proeminência durante o pós-guerra.
© 2022 Greg Robinson
