Você pode descrever seu trabalho como designer? Existem aspectos específicos do seu design que podem identificá-lo como nikkei?
Meus designs de roupas surgem de conceitos que exploro em minha prática artística. Eu uso os mesmos motivos representacionais do meu trabalho artístico em meus designs de roupas.
Por exemplo, na minha série “Hive”, utilizo a imagem de uma célula em favo de mel para representar o trabalho, o trabalho e a criação da classe trabalhadora. Eu faço uma renda de papel com favos de mel, como uma tela ou barreira etérea, e um vestido de papel momigami com uma imagem de fumaça dourada subindo de uma fenda escura ou respingos de ouro nas costuras do favo de mel. No meu trabalho de design de roupas, pego o mesmo motivo de favo de mel e aplico-o em roupas originais como uma serigrafia ou aplique de costura.
Num exemplo mais atual, para uma próxima coleção, costuro uma cicatriz dourada nas costas de um vestido como motivo kintsuji . A ideia por trás desta nova coleção é curar as feridas da guerra e da violência. Eu criei este motivo para honrar nossa humanidade e histórias resistidas com compaixão, e para renovar a partir da escuridão talhada e aprendida com o coração profundo e radiante.
As histórias por trás dos meus designs estão relacionadas a questões de identidade e à minha herança japonesa.
Qual o papel que a sua identidade étnica desempenhou na sua evolução como artista? É japonês/canadense ou vice-versa?
Ser nipo-canadense é intrínseco ao trabalho que faço porque questões de identidade são o que busco em minha prática e a conexão com minha herança é referenciada nos materiais e processos que escolho.
Você poderia falar um pouco mais sobre as conexões japonesas e canadenses?
Sinto-me atraído por trabalhar com alguns materiais e processos pré-industriais japoneses, por exemplo: papel washi , bambu, tingir com índigo e carvão, patchwork de boro ou usar konnyaku para dimensionar papel. No entanto, também utilizo métodos e materiais contemporâneos que aprendi: costura à máquina industrial, serigrafia contemporânea, trabalhos com arame de chapelaria, materiais plásticos para estrutura, etc.
Integro materiais e métodos contemporâneos e tradicionais na minha prática artística.
Como as questões de racismo (por exemplo, mulheres aborígenes) afetaram sua vida e sua arte?
Os canadianos sentem-se tão desconfortáveis com o racismo que não há vontade de discuti-lo porque desafia ideias construídas de identidade nacional, como a manutenção da paz e a tolerância.
Ideias como o multiculturalismo e o pluralismo penetraram na noção de identidade social canadiana e, portanto, o conceito de racismo é percebido como estrangeiro ou “não canadiano”.
Sendo um canadense não indígena e racializado, cresci em um ambiente social que negava e, portanto, silenciava experiências racializadas. Quando há ausência de reconhecimento ou de palavras para identificar o que realmente está sendo vivenciado, essas experiências racializadas se acumulam e são internalizadas. A internalização do racismo levou-me a querer desligar-me de quem sou, da minha família, da minha comunidade, como se pudesse alienar as partes de mim que eram percebidas como “não-brancas”, para que de alguma forma eu fosse visto, ouvido, incluído, e avaliado igualmente. Esta não é uma experiência única para pessoas racializadas e, no entanto, o racismo como fenómeno social é algo que os canadianos negam.
Alguma experiência pessoal de racismo/intolerância que você possa compartilhar?
Não há nenhum incidente que se destaque. Se isso acontecer, é apenas porque posso ter começado a tomar consciência do que estava vivenciando. E o racismo personalizado foi onde minha consciência começou, mas não é aí que está a desigualdade social. Mas essas experiências pessoais são resultado da desigualdade.
Este país é fundado nos princípios do racismo. Desde actos de genocídio ao racismo legislado contra os Povos Indígenas, bem como ao racismo legislado contra outros grupos racializados, estes actos são os alicerces da nossa nação e têm um efeito causal significativo sobre o porquê e como estamos aqui hoje.
Qual é o resultado disso então?
Não vivemos mais numa época em que o racismo parece ódio. A opressão racial é institucional e está integrada na nossa estrutura e percepções sociais, uma vez que se cruza com outras questões, incluindo a pobreza, o género e o “shadismo”.
Possuir a própria herança, apoiar-se na história da família, conectar-se à linhagem e compreender a si mesmo dentro de um contexto histórico pode ser um ato pessoal que cura, fundamenta e recupera. Mas é quando os canadianos conseguem dialogar e assumir as questões do racismo institucionalizado, penso que é aí que uma progressão honesta em direcção à equidade social pode começar.
Você de alguma forma expressa essas ideias através de seus designs?
A minha prática artística preocupa-se principalmente com questões de desigualdade no que se refere à identidade. Por exemplo, uma das minhas esculturas de papel Hive pode parecer uma frágil renda de favo de mel. Inicialmente a peça contava com uma fonte de luz centrada em seu interior que emanava para fora através da tela de renda de papel lançando sombras. Os hexágonos do espaço negativo dos recortes são montados no chão diretamente abaixo da peça como zona de impacto “marco zero” que se espalha para fora. Ao longo desta série, utilizo um contraste de cores e texturas para contar a história de uma luz interior que transgride as barreiras da sociedade e do trabalho criando impacto.
Como você informa/nutri seu “Nikkeiness”? Como isso pode ser diferente de como os Nikkeis têm uma conexão mais distante com o Japão, por exemplo, a comunidade JC pré-Segunda Guerra Mundial?
Olho para a minha linhagem familiar como artesãos para informar a minha “Nikkeiness”. Baseio-me em histórias de família sobre como sobrevivemos e prosperamos em tempos de desespero. Eu chego à ética do “ shokunin ”, à honestidade dos materiais, à filosofia e respeito budista e aos ensinamentos do mundo natural. Fui apresentado a essa visão de mundo e a essas formas de conexão por meio de minha mãe, tio e tia e dos mais velhos, e continuo aprendendo ao longo da minha vida.
Você pode explicar como a filosofia do “ shokunin ” afeta a forma como você aborda seu trabalho de maneira diferente de outros designers?
Minha prática artesanal me conecta através da linhagem, aos meus ancestrais. Enquanto faço isso, penso em como minhas mãos criadoras me conectam através da divisão oceânica, além da terra e do tempo.
Trabalho para refinar minha prática – para ser aberto e adaptável a abordagens relevantes e perspectivas alternativas, para me tornar mais intuitivo do que era. Ao longo dos anos, continuo a usar materiais, métodos e ferramentas daqueles com quem aprendi e através de vários ofícios, e integro abordagens à medida que continuo a aprimorar meu ofício. Criar uma prática que seja holística em sua filosofia é quando o ato de fazer se torna uma declaração da vida de alguém, suponho – um corte constante.
Outros artistas nikkeis e/ou japoneses influenciaram você de alguma forma?
Na minha juventude, fui inspirado pela história de Yumi Eto. Ela foi a única estilista nipo-canadense de quem eu tinha ouvido falar e criou um lindo trabalho. Sua conexão com a paisagem da costa oeste foi algo com o qual também me senti profundamente conectado enquanto crescia. Quando jovem, ela parecia tangível para mim, mas fazia coisas aparentemente intangíveis, então ela foi um exemplo para mim de que meus sonhos eram possíveis.
Você pode nos contar um pouco mais sobre Yumi Eto? Você pode descrever seus designs? Ela ainda está trabalhando?
Seu trabalho teve fortes influências personalizadas, mas justapostas a formas e texturas suaves e orgânicas. Não acompanho sua progressão desde o final dos anos 90, mas acho que ela passou a trabalhar como diretora da Aritzia em Vancouver.
Ser artista lhe dá alguma liberdade especial para explorar quem e o que você é? Ainda existem áreas de interesse particular que você deseja explorar, por exemplo, a cultura japonesa?
Tenho uma responsabilidade como artista praticante porque através do meu trabalho tenho uma plataforma para comunicar com o público, explorar ideias, materiais e experiências cumulativas. É como eu comunico com outras pessoas por meio de colaborações e me conecto com a comunidade.
Sempre quis aprender Kendo.
Qual é a importância de ter uma comunidade de artistas nikkeis para avançarmos na compreensão de nós mesmos?
Os artistas são a chave para comunicar identidade, experiências vividas e histórias compartilhadas em qualquer comunidade. Os artistas podem ser influenciados por padrões e mudanças sociais e podem reflectir isso na comunidade através do seu trabalho.
À medida que cada geração sucessiva se torna cada vez mais desligada da herança ancestral, as celebrações culturais podem ser impotentes sem uma compreensão contextual desta desconexão. Os artistas da nossa comunidade podem aprofundar suas experiências, explorar questões e traduzir o desconhecido através de sua produção artística. Estas explorações podem dar-nos uma visão sobre as nossas próprias explorações, ou incitar as nossas próprias investigações sobre quem somos e porquê, e como nós, como comunidade, impactamos a sociedade dentro da paisagem canadiana mais ampla.
Finalmente, o que há no futuro para você?
Atualmente estou trabalhando em uma nova coleção, como mencionei anteriormente. Envolverá novos motivos como kintsuji , remendos de malha em papel japonês e fios de linho e bordados em boro . Também incorporarei alguns tingimentos manuais de quintal em índigo e sumi ou carvão nesta série, então estou ansioso por isso neste verão.
© 2015 Norm Ibuki
