“El artista debe juntar los objetos de este mundo de tal manera que a través de ellos experimentes esa luz, ese resplandor que es la luz de nuestra conciencia y que todas las cosas ocultan y, cuando se las mira adecuadamente, revelan. "
—Profesor, traductor y autor, de El héroe de las mil caras , Joseph Campbell (1904-1987)
A estas alturas todos entendemos lo que es ser el rostro detrás de la máscara, ¿no?
Al reflexionar sobre esto y al investigar un poco sobre las máscaras, otra cita realmente me llamó la atención. Es del escritor y académico quebequense André Berthiaume (1938 -) quien escribió: “Todos usamos máscaras, y llega el momento en que no podemos quitárnoslas sin quitarnos parte de nuestra propia piel”.
Parece que estamos en un punto en el que todos necesitamos reevaluarnos a nosotros mismos, a nuestro mien/ tatemae público, con respecto a reflexionar sobre qué partes de nuestro yo anterior a Covid-19 estamos dejando atrás en el proceso de ir más allá de Covid y cómo ¿Queremos reinventarnos en la Nueva Era? ¿Cómo, de hecho, tallamos/creamos nuevas máscaras? Como en un rompecabezas, ¿la eliminación de una pieza significa que otras colapsarán? ¿Se verá comprometida la integridad del conjunto? ¿O es esa parte “faltante” el punto?
A través de correos electrónicos con Miya Turnbull, menciono mi interés personal por las máscaras y mi pequeña colección que atesoro, recopilada a lo largo de años de viajes. La primera fue una máscara de las Primeras Naciones llamada "El Buscador" que compré en una galería en Horseshoe Bay, BC. Me ha estado cuidando durante algunas décadas.
Diciembre de 1999. Tengo buenos recuerdos de Bali, Indonesia: un lugar de ensueño con máscaras y tallas en forma de serpientes, rostros impactantes tallados en roca, bocas abiertas en las entradas de cuevas que aparentemente conducían al inframundo, eran los más aterradores: enredos salvajes. cabello y expresiones embelesadas. Desde Narita, volando a Bali, a través de una espectacular puesta de sol en llamas, llegando a un pequeño pueblo con un camino de tierra en un ruidoso taxi tuk-tuk, finalmente, después de una larga prueba en el aeropuerto y 30.000 yenes “más livianos” (una historia muy larga). , dejé mi mochila en mi habitación, caminé hacia los restos de un antiguo templo musulmán de piedra donde se estaba desarrollando una danza de títeres de sombras, representada en una pantalla de tela, retroiluminada por el brillo parpadeante de las linternas encendidas, enmarcado por pilares de piedra. . Estábamos paralizados, en silencio.
Viviendo en Japón, aprendí sobre las imágenes extraterrestres y rotundas de los Tohoku, los muñecos Hani de arcilla, los espadachines tengu de color rojo resplandeciente (mi maestro de aikido juraba que luchó contra una de estas criaturas míticas en Yamadera), la quietud dinámica de Kazuo Ohno. (1906-2010) sensei maquillado para una de sus impresionantes danzas Butoh, esos salvajes rostros Kabuki y las burlonas máscaras blancas de Noh que todavía me asustan. Recientemente, al revisar décadas de fotografías, puedo identificarme con todas ellas.
Nuestra discusión a través de un intercambio de correos electrónicos sobre los libros innovadores del mitólogo Joseph Campbell y el Dr. Takeo Doi (1920-2009) ( Anatomía de la dependencia, La anatomía del yo ) sobre la identidad japonesa aún en mente, fue un placer especial hablar con Halifax. El fabricante de máscaras de Nueva Escocia, Yonsei Miya Turnbull.
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En primer lugar, ¿podemos volver al principio y hablar sobre dónde creciste? Estaba en una granja/rancho, ¿no?
Crecí en una granja cerca del pequeño pueblo de Onoway, Alberta, en las afueras de Edmonton, en territorio del Tratado 6. Mi papá tenía ganado y cultivaba heno, trigo, canola, cebada y avena. Soy muy afortunado de haber tenido la experiencia de crecer como niño de granja con mis 2 hermanos. He pasado muchas horas al aire libre, recogiendo piedras y raíces de los campos, conduciendo tractores; arando campos, cosechando heno y apilando muchísimo estiércol.
¿Puedes hablar un poco sobre tu familia y los primeros recuerdos de tu aprendizaje sobre tu herencia japonesa canadiense?
A menudo visitábamos a mis abuelos y a mi familia en Lethbridge y aquí es donde estuvimos más expuestos a nuestra cultura japonesa. Tan pronto como llegáramos, habría udon , futo-maki , sashimi , tofu y tsukemono caseros. No me di cuenta de lo especial que era esto hasta mucho más tarde: la comida es definitivamente un factor de conexión para mí con mi herencia. ¡Mi abuela Kimiko era una cocinera increíble!
El primer idioma de mi madre era el japonés, que se perdió cuando empezó la escuela, por lo que no lo hablábamos en casa. Cuando éramos pequeños, ella nos llevaba a los niños a Edmonton para una lección semanal de japonés hasta que nos quejamos demasiado y paramos, lo que ahora lamento mucho. En casa siempre había palabras intercaladas con inglés, en su mayoría relacionadas con alimentos como " Shoyu ", y mi favorito era cuando mi mamá gritaba " ¡Yakamashi !" cuando éramos demasiado ruidosos.
Las reuniones familiares en nuestro lado de Hisaoka son increíbles. Todas las familias derivadas de mis bisabuelos que llegaron a Canadá a principios del siglo XX se reúnen cada 3 años. Muchos de mis primos son mitad japoneses como yo, por lo que es maravilloso estar cerca de todos y celebrar juntos nuestra cultura japonesa canadiense de muchas maneras. Esto es muy importante para todos nosotros, especialmente porque cada generación tiende a mezclarse más.
Un recuerdo que tengo mientras crecía: mi madre participaba en danza japonesa con un grupo de Edmonton y usaba los kimonos más hermosos. En un momento me uní cuando tenía quizás 7 años y recuerdo que todos estábamos preparándonos para una presentación del Festival Multicultural. Algunos en la comunidad japonesa preguntaban quién era la chica rubia. ¡Me tomó un tiempo darme cuenta de que estaban hablando de mí! Definitivamente no soy rubia, pero para ellos no parecía japonesa. Irónicamente, siempre quise ser rubia porque eso es lo que pensaba que debía ser "hermosa".
¿Cómo continúa procesando la experiencia de racismo y entierro que sufrieron los canadienses japoneses durante la Segunda Guerra Mundial?
Pienso mucho en lo que pasaron mis abuelos; todavía me resulta difícil comprender cómo soportaron tanto. Mi mamá jugó un papel decisivo para que sus padres, tías y tíos comenzaran a hablar sobre sus experiencias. Compiló un libro de nuestra historia familiar, lo cual es asombroso. He leído sus historias pero cada vez que vuelvo a ellas, aprendo y entiendo más. Ahora, les pregunta a los primos mayores Sansei cuál es el punto de vista de un niño sobre la vida en las granjas de remolacha azucarera. Es muy importante que se hable, se escuche y se registre sobre estas historias porque nunca podemos olvidar que esto sucedió.
¿A qué edad aproximadamente recuerdas haber hecho arte?
Siempre dibujaba cuando era niño y mi papá nos hizo una gran pared en la que podíamos dibujar. Realmente no me metí en el arte hasta la secundaria. Tuve la mejor maestra: la Sra. Linda Lawrence, quien realmente me animó y aquí es donde hice mi primera máscara de arcilla.
¿Qué tipo de influencia fue tu mamá?
Mi mamá cultivó nuestra creatividad con todo tipo de artes y manualidades. Incluso en la cocina hacía pan y luego nos dejaba trenzar panecillos o bollos de diferentes formas. Cuando mi hermano pequeño empezó a crecer, empezó a hacer cerámica. Tenía su propio estudio en nuestro sótano y nuestra sala de estar se convirtió en la galería/sala de exposiciones. Recuerdo ayudarla en ferias de artesanía, lo cual suponía mucho trabajo por tan poca recompensa, pero a pesar de eso, me encuentro haciendo lo mismo con mi trabajo textil en el mercado de agricultores local con mi hija.
¿Cómo influyó tu papá en esta ecuación?
Mi papá también apoyó mucho nuestra faceta artística. Siempre dice que no tiene talento artístico pero yo lo veía como un “Creador”. Era un reparador y un constructor. En la granja, cuando alguna maquinaria se estropeaba, tenía que usar sus habilidades para arreglar cosas todo el tiempo y encontrar formas creativas de volver a funcionar. Nos construyó muchas cosas interesantes: una casa en el árbol, un balancín, un columpio, una casita de juegos, una pista de patinaje, etc. Fue muy cariñoso y siempre insistió en que yo podía ser lo que quisiera. Él también apoyó mucho a mi madre en su oficio y le construyó su propio estudio/galería junto a su taller, que ahora es su taller de carpintería. Tengo unos cuencos preciosos y unas muñecas Kokeshi que él ha hecho de madera.
¿Cómo fue crecer en Onoway?
Crecer en Onoway me resultó un poco desafiante. Me encantaba la granja y todavía me encanta, pero me costaba mucho la mentalidad de pueblo pequeño. Aunque Edmonton estaba a sólo una hora en coche, tampoco disfruté mucho de esa ciudad. La ciudad en sí es muy pequeña: tal vez tenía 1000 habitantes y todos eran caucásicos, por lo que no había mucha diversidad. Había niños de las Primeras Naciones cuando yo estaba en la escuela primaria, pero los niños blancos los atormentaban implacablemente en la escuela y finalmente los dejaron para ir a la escuela en la reserva. Nunca estuve involucrado directamente en eso, pero no los defendí en ese momento y lo lamento mucho hasta el día de hoy.
Recuerdo que en quinto grado los niños se burlaban de mí con la rima “chino, japonés, rodillas sucias, mira esto” y no pude lograr que pararan hasta que intervino la maestra. Probablemente ni siquiera sabían lo que significaba. Recuerdo a mi maestra sentándonos a todos y diciendo: "Ya sabes, Miya es diferente..." y yo pensé: "¡No, no lo soy!". y sentí ganas de llorar.
Odiaba la experiencia cotidiana general de la escuela secundaria. Estaba deprimido y no tenía conexiones fuertes con mucha gente. Me encantó el aspecto del trabajo escolar y estoy muy agradecida por las clases de arte porque realmente creo que eso me salvó la vida. Dejé la ciudad tan pronto como me gradué, literalmente la mañana después de nuestra fiesta de graduación, después de que algunas personas destrozaron el salón en el que estábamos. Fui a BC por un tiempo y luego a Edmonton, antes de decidir que quería ir a la Universidad. Me decidí por Lethbridge, donde antes sentí una conexión al visitar a mis abuelos y a la comunidad canadiense japonesa. ¡La vida universitaria era increíble! Aquí es donde conocí a mis mejores amigos, probé muchas clases diferentes y desarrollé aún más mis habilidades artísticas.
Me encanta volver a casa para visitarla, pero solo para ver a mi familia y las tierras de cultivo; mis dos hermanos regresaron allí después de vivir en Edmonton y ambos tienen hijos, por lo que es muy divertido visitarlos cuando podemos. Me encanta vivir en Halifax junto al océano, así que no estoy segura de poder irme aunque esté tan lejos de mi familia.
Tu mamá tenía un estudio de cerámica, ¿no? ¿Es aquí donde jugaste con la idea de ser artista?
Sí, me encantaba verla trabajar en el torno y ver toda su hermosa cerámica, pero básicamente nos sacaba de su estudio cuando queríamos jugar con arcilla (lo que inevitablemente significaba hacer un desastre). Yo no pasé mucho tiempo allí. No fue hasta que comencé la universidad, donde encontré mi voz como artista a mi manera, en particular a través de la fabricación de máscaras.
¿Cómo te animó a ser artista?
Mis padres fueron extremadamente alentadores. Vieron que tenía talento en muchas áreas diferentes y me apoyaron mucho para encontrar mi camino. En la Universidad, pasé de una carrera combinada de Biología y Arte a una carrera de Psicología y Arte y luego decidí centrarme en la Licenciatura en Bellas Artes. Sin embargo, venir de una familia de creadores fue lo que realmente me influyó más. Verlos a ambos trabajar por cuenta propia y hacer y arreglar cosas fue lo que más me impactó, sin duda. ¡Estoy muy agradecida de que ambos puedan ver el éxito que ha tenido mi carrera artística últimamente!
¿Cómo te inclinaste hacia la fabricación de máscaras como forma de expresión personal? ¿En qué podría ser único y diferente de otras formas de arte?
Mientras hacía mi licenciatura en Bellas Artes en la Universidad, exploré la escultura, la fotografía, el grabado y la pintura. Tuve que conseguir un permiso especial para tomar una clase de fabricación de máscaras porque era parte del departamento de teatro. Allí aprendí a hacer el molde de yeso de mi cara y a hacer máscaras de papel maché, que siguen siendo la base de mis máscaras en la actualidad. Dentro de un Open Studio tuve libertad para experimentar y comencé a combinar fotocopias de mi rostro con mis máscaras y esto marcó el inicio de mi técnica PhotoMask. Me quedé impresionado por lo realistas, espeluznantes y geniales que eran. Trabajé con máscaras y proyecciones de video (máscaras digitales) por un tiempo hasta que me gradué, luego no supe hacia dónde ir a partir de ahí.
No fue hasta más tarde, en Montreal, en la Universidad de Concordia, donde asistía a una clase de Introducción a la Arteterapia, que mis máscaras empezaron a adquirir más significado. Un proyecto que nos asignaron fue representar el Yo, tal como lo define Carl Jung, con cualquier medio que quisiéramos. Elegí hacer una máscara, que parecía ser el símbolo perfecto para ello. Utilicé una imagen de mi amigo en el frente de la máscara y, por primera vez, puse una cara con los ojos cerrados en el espacio cóncavo de la máscara para representar tanto nuestro ego (en el exterior) como la inconsciencia (en el interior). Posteriormente pasé a desarrollar este trabajo únicamente como autorretratos para explorar la identidad.
Mucha historia ya viene con las máscaras como medio artístico: se utilizan en el teatro, en ceremonias y rituales, en Halloween y especialmente ahora en nuestra vida diaria durante una pandemia. Se utilizan para disfrazarse, mascararse, transformarse y protegerse, entre otros motivos. Al usar máscaras como medio, puedo aprovechar todo ese simbolismo y usar la máscara para representar arquetipos o diferentes personas y agregar mis propios significados a las máscaras, lo cual me parece realmente emocionante e interesante.
Te pones y usas una máscara desde Halloween hasta bailes de máscaras. Como público espectador, ¿cómo deberíamos experimentar una máscara?
La mayoría de las máscaras que hacía hasta hace unos años eran ornamentales. Los fotografiaría y exhibiría como objetos escultóricos. Una vez que comencé a ponérmelos, sucedió algo extraordinario y hubo una transformación en la que me convertí en algo "otro". Captaría los resultados a través de vídeo y fotografía. Tengo mucho que decir con cada máscara individual, pero he descubierto que agregar la relación entre mi cuerpo y las máscaras también es igual de importante. Si la gente puede percibirme con esta “cara falsa” como propia, puedo mostrar diferentes facetas de mi identidad. Cuando me ponen una máscara en la parte posterior de la cabeza, puedo crear una "criatura" distorsionada. Me gusta jugar con esa tensión incómoda que puede surgir al ver un rostro con distorsiones extremas o un cuerpo con una posición “antinatural”.
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