La artista de Yonsei Lauren Iida y yo nos conocimos en línea hace años cuando la entrevisté desde Camboya. Desde esa conversación, su práctica artística se ha ampliado y profundizado, al igual que su espíritu empresarial y su tutoría; todos estos factores hacen que su carrera sea emocionante de observar. Sus bellamente evocadoras obras de arte cortadas en papel incluyen Memory Net, la serie 100 Aspects of the Moon y la serie 32 Aspects of Daily Life . Muchos de ellos se basan en su herencia japonesa americana y en su investigación histórica y, a menudo, se inspiran en antiguas fotografías familiares.
En los últimos años, el trabajo de Iida ha llegado a un público más amplio y su trabajo se ha traducido en murales en toda el área de Seattle y Camboya. En marzo de 2021, junto con un aumento de los ataques contra asiáticos en todo Estados Unidos, una de estas obras de arte público fue destrozada. Inspirándose en la tradición artesanal japonesa del kintsugi, Iida decidió conservar y resaltar el daño cosiendo la pieza con carpintería dorada.
Actualmente, Iida divide su tiempo entre su ciudad natal, Seattle, y Siem Riep, Camboya. Según el sitio web del estudio , “Open Studio Camboya es un colectivo de artistas con sede en Siem Reap, Camboya, la puerta de entrada a los antiguos templos de Angkor Wat. Fundado en 2018, Open Studio Camboya asesora, representa y proporciona suministros y espacio de estudio y galería comunitario a un pequeño grupo de artistas contemporáneos locales”. Entre sus muchos proyectos, Iida también ha trabajado como artista residente con la organización de historia japonesa americana Densho .
Durante una visita prolongada de regreso a Seattle, Iida se tomó un tiempo para hablar conmigo por correo electrónico sobre el alcance de su carrera y su poderosa próxima exposición en Seattle en enero de 2022.
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Tamiko Nimura (TN): ¿Qué papel ha desempeñado su identidad nikkei y su historia familiar en su carrera artística? ¿Cuándo empezó a desempeñar un papel? ¿Ha visto ese papel cambiar o desarrollarse con el tiempo para usted como artista?
Lauren Iida (LI): Mi práctica artística se ha convertido para mí en una forma de explorar mi identidad Nikkei y en una lente para reflexionar sobre ella. Crear arte sobre la historia japonesa americana me ha llevado a centrarme en la investigación a lo largo de mi carrera artística de una manera integral que continúa evolucionando y llevándome por nuevos caminos de investigación.
TN: ¿Quiénes describirías como tus influencias artísticas en tu obra de arte de corte de papel? ¿Y en tu emprendimiento?
LI: Mi obra de arte cortada en papel, que ahora he ampliado para incluir sustratos permanentes para proyectos de arte público a gran escala , como metal cortado, mosaicos de azulejos y murales pintados , se centra principalmente en mi herencia JA en los últimos años. Siempre me he inspirado para mi trabajo en mis experiencias personales y mi entorno inmediato, que también incluyen mis raíces en el noroeste del Pacífico y mi larga relación con Camboya.
He estado trabajando en proyectos de emprendimiento social y tutoría artística en Camboya desde 2008 y todavía apoyo a artistas emergentes a través de mi proyecto fundado en 2018, Open Studio Camboya.
TN: Si bien parte de tu proceso artístico con intrincados cortes de papel ha significado, en el caso de una de tus obras famosas, Memory Net , dejar ir las obras una vez que se desintegran. (Como escritor comprometido con la permanencia de mi trabajo, me fascina esta parte de dejar ir el trabajo). ¿Puedes decir más sobre cómo “dejar ir” es parte de tu proceso? ¿Cómo se siente dejarlos ir?
LI: The Memory Net , una pieza de instalación temporal en curso hecha con más de 30 pies de papel cortado a mano, es de naturaleza efímera. La Red de la Memoria “desenterra recuerdos” que se expresan como objetos simbólicos “atrapados” en la red de papel cortado. Podemos volver a visitar estos recuerdos y luego dejar que vuelvan a hundirse en el espacio indefinido donde existen los recuerdos. Estos podrían ser recuerdos de un lugar, recuerdos de individuos o recuerdos colectivos de una comunidad. No necesariamente vivimos todos los días con nuestros recuerdos, buenos o malos, pero el proyecto Memory Net nos ofrece una manera de revivir y honrar temporalmente los recuerdos que siempre existirán en algún plano de existencia invisible.
La destrucción de estas redes de papel tiene un propósito de mi parte, mientras juego con ellas y viajo con ellas, tomo fotos para conservarlas pero dejo que la frágil red regrese a la Tierra, sabiendo que siempre cortaré otra.
Aquí hay una declaración de Kascha Snavely (propietaria de la galería de arte The Vestibule en Seattle) que ayuda a explicar más sobre esta obra.
Lanzando la red (texto de pared)
En inglés decimos que hemos "perdido la memoria". La frase sugiere que la memoria se ha abandonado, extraviado, pero no desaparecido. Un recuerdo, una pérdida, puede parecer ausente en nuestras vidas pero aún presente de alguna otra manera, tal vez en un plano de existencia invisible. Decimos que “desenterramos” un recuerdo. El recuerdo se hunde, se va a la deriva, pero con la línea correcta, podríamos captarlo: un objeto sacado de las profundidades.
Podemos vivir en una casa y extrañar otra, como le ocurre a la artista vivir entre sus dos hogares, Kampot, Camboya y Seattle, Washington. Al no tener un espacio físico permanente al que recurrir, como les ocurre a muchas personas, se encuentra adherida a la estructura como el caparazón de un caracol. Perpetuamente nómada, la artista lleva su red de un lugar a otro. Es al mismo tiempo un apéndice, una carga, una fuente de inspiración y un lugar seguro de refugio. A partir de esta amalgama de representaciones tangibles de recuerdos que alguna vez fueron exclusivamente efímeros, se teje una estructura que luego se convierte en su nuevo “hogar”.
La Red de la Memoria se lanza para desenterrar objetos de los hogares aquí y ahora y, si es posible, traerlos nuevamente a la superficie. En el papel, la pérdida aparece tal como es: una ausencia, una pérdida de papel. A la luz, el papel que falta no nos deja más que una sombra proyectada. Los objetos de la memoria están atrapados el tiempo suficiente para darles sentido, pero son demasiado frágiles para tocarlos.
TN: Una pregunta relacionada: algunas de sus obras son ahora instalaciones de arte público permanentes. ¿Las instalaciones permanentes se sienten diferentes de las obras de arte en papel más temporales, y en qué?
LI: Sí, he estado trabajando en varios proyectos de arte público en los últimos años, incluida la estación de tránsito de Redmond Sound (mosaico de azulejos), un mural para Plymouth Housing (mural pintado) y la ampliación del Centro de Convenciones del Estado de Washington (metal cortado). ), entre otros. Me encanta ver cuán versátil puede ser mi papel cortado, ya que cierra la brecha entre los trabajos 2D sobre papel y la instalación escultórica 3D. Me encanta compartir Memory Net y otras imágenes con el público, presentadas en forma de arte público a gran escala, y tengo muchas ganas de continuar en esta dirección.
TN: En Open Studio, el colectivo de artistas que diriges en Camboya, vives, trabajas y asesoras a otros artistas. ¿Puedes hablar sobre el papel de la mentoría en tu carrera artística? ¿Cómo es tu mentoría ahora (orientar a otros artistas) y qué (o quién, como modelos a seguir) te preparó para ser mentor?
LI: Trabajo con un pequeño grupo de artistas contemporáneos camboyanos emergentes a través de mi proyecto fundado en 2018, Open Studio Camboya. Los artistas con los que trabajo principalmente provienen de entornos empobrecidos y han superado todos los obstáculos para seguir sus carreras en bellas artes. Un artista, Kim San, es un ex refugiado de los Jemeres Rojos y maestro pintor al óleo. Morn Chear ha tenido un gran éxito como impresor a pesar de perder ambos brazos en un trágico accidente. Van Chhovorn es un pintor que cuenta la historia de su esclavitud en un barco pesquero durante años a través de sus obras de arte. Open Studio Camboya comenzó en el estudio de mi casa a muy pequeña escala, simplemente entregando materiales artísticos de alta calidad a artistas camboyanos emergentes en mi área. Cuatro años después, Open Studio Camboya ha organizado varias exposiciones en Estados Unidos, París y en toda Camboya. Los artistas que apoyamos siguen prosperando durante Covid, ya que hemos aprendido a adaptarnos a las ventas en línea y a mantenernos conectados de forma remota.
Mi historia de amor con Camboya comenzó en 2008, cuando terminé allí como turista, pero no comencé a trabajar seriamente en las artes allí hasta 2018. Debido a los ataques de los Jemeres Rojos contra artistas y creativos a fines de la década de 1970, la escena artística en el país apenas se está recuperando y comenzando a causar sensación en la región. Ver las necesidades de los artistas en dificultades ( a menudo autodidactas y que viven en la pobreza extrema ) fue mi motivación inicial para ver qué podía hacer en términos de compartir habilidades, donar materiales de arte y asesorar sobre las mejores prácticas, lo que finalmente se convirtió en más bien una función de tutoría y representación a largo plazo.
Creo que mis mayores influencias para este tipo de trabajo fueron mis profesores más atentos en Cornish College of the Arts, la útil y generosa Artxchange Gallery y mis experiencias trabajando en educación artística en Seattle con jóvenes y adultos sin hogar en recuperación a través de Sanctuary Arts y Path. Con arte.
TN: Cuéntenos un poco sobre su próxima exposición, Citizen's Indefinite Leave , que se inaugurará en la ArtxChange Gallery de Seattle en enero de 2022. ¿La describiría como una extensión (o una desviación) de su trabajo anterior, y cómo?
LI: Mi próxima exposición individual se abre en Artxchange Gallery el 6 de enero de 5 a 7 p. m. (First Thursday Art Walk Pioneer Square) con una recepción adicional el 15 de enero de 1 a 4 p. m. (preinscripción obligatoria para los horarios de entrada). ). Tengo muchas ganas de presentar este nuevo trabajo que es a la vez una extensión y un alejamiento de mi trabajo anterior. Durante el aislamiento y las incertidumbres de la COVID, que pasé mayoritariamente en Camboya, comencé a contemplar los conceptos de confinamiento, aislamiento y acceso a lugares que llamamos “hogar”. Relacioné estos conceptos con el encarcelamiento de japoneses y japoneses estadounidenses, incluida mi familia, durante la Segunda Guerra Mundial y creé un nuevo cuerpo de trabajo en papel cortado a mano y acuarela vívida, mientras procesaba lo que me estaba sucediendo a mí y lo que había sucedido. a mis antepasados.
En términos de técnica, utilicé mucho más color en esta serie que en mi trabajo anterior. Utilicé acuarela, tinta y acrílico, a menudo en capas, para dar nueva vida a fotografías históricas y jugar con nuevos temas de vida vegetal y personajes mitológicos tradicionales japoneses.
Tuve el privilegio de tener la oportunidad de trabajar estrechamente con Densho, como uno de sus artistas residentes para 2021. Esto me dio acceso completo a su archivero, quien me ayudó a localizar información específica sobre mis antepasados inmigrantes japoneses y sus experiencias desde su llegada por primera vez a los EE. UU. hace unos 125 años. Con una investigación más profunda, este trabajo es, con diferencia, mi inmersión más profunda en la historia de mi familia y estoy muy emocionado de compartir este trabajo con el público.
© 2021 Tamiko Nimura
