En 1974, la vida de Yamauchi estaba a punto de cambiar nuevamente cuando cuatro escritores asiático-estadounidenses comenzaron a armar una antología de prosa y drama asiático-estadounidense bajo el título ¡Aiiieeeee!, una referencia a los gritos de los asiáticos suicidas en las películas de propaganda estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial. A instancias de Si, Yamauchi presentó algunas de sus historias y los editores (Frank Chin, Jeffrey Chan, Lawson Inada y Shawn Wong) optaron por incluir una titulada And the Soul Shall Dance .
Poco después de la publicación de ¡Aiiieeeee!, la situación interna de Yamauchi se vino abajo. Su marido durante 27 años le pidió el divorcio; Le había llevado mucho tiempo decidir que ella no era la servil esposa japonesa que siempre había deseado. Demasiado orgullosa para rogarle que se quedara, ella accedió a su petición (hecha por teléfono), sintiendo, a los 51 años, una desolación aplastante y amarga. Sola en casa jugando interminables partidas de solitario, se preguntaba qué sería de ella, qué haría con el resto de su vida.
En lo que iba a ser una convergencia de acontecimientos que nunca se cansaba de recordar, fue el mismo día en que su marido se mudó cuando recibió una llamada telefónica de Makoto Iwamatsu (Mako), el conocido actor y director artístico de East West Players, una compañía de teatro asiático-americana en Los Ángeles.
Mako, nacido en Japón, había aparecido en películas (entre ellas The Sand Pebbles [1966], The Hawaiians [1970] y Conan the Barbarian [1982]); la producción original de Broadway de Pacific Overtures de Sondheim (1976); y programas de televisión como McHale's Navy, M*A*S*H y The Incredible Hulk .
Después de leer la historia de Yamauchi en ¡Aiiieeeee!, le dijo que creía que sería una obra maravillosa. Ella le preguntó quién lo escribiría y nombró a dos dramaturgos asiático-americanos de la época, Frank Chin y Momoko Iko, como posibles candidatos. Mako objetó, insistiendo en que ella lo escribiera. En respuesta a sus protestas por no haber escrito nunca una obra de teatro, él dijo que sólo quería que ella lo intentara, asegurándole que no le importaba cómo terminara, siempre y cuando ella se mantuviera fiel al espíritu de su hermosa historia.
Yamauchi dijo que lo consideraría, colgó el teléfono y, aunque agradecida por una posible distracción de la implosión de su matrimonio, estaba manifiestamente insegura de si estaba a la altura de la tarea. Se inclinaba por retomar las clases de arte y poner toda su energía en la pintura cuando un tonto accidente (caerse de una silla y romperse una pierna) la ayudó a tomar la decisión. Tener que estar en cama durante un mes con un yeso hizo imposibles las clases de arte, por lo que le pidió a su hija Joy que le trajera libros de la biblioteca sobre cómo escribir para teatro.
Utilizando su historia como esquema, Yamauchi la desarrolló con acción y diálogo, y produjo un primer borrador que envió a East West. Mako lo usó para conseguirle una beca de dramaturgo residente Rockefeller que, junto con su orientación, la ayudó a completar cinco borradores más de la obra antes de que estuviera lista para los ensayos.
La historia semiautobiográfica se centró en dos parejas, los Murata y los Okas, en el Valle Imperial de 1935. La obra se desarrolla a través de la perspectiva de Masako, de 11 años, la hija de los Murata. Cuando los Murata pierden su casa de baños de madera en un incendio, el Sr. Oka, que vive con su esposa Emiko a aproximadamente una milla de distancia, les ofrece el uso de la suya propia. Masako se convierte así en testigo de la trágica vida de la abatida y furtiva Emiko Oka, a quien el adolescente primero cree que está loca. Más tarde se entera de que en Japón, el Sr. Oka estaba casado con la hermana de Emiko y que tenían una hija, Kiyoko.
Oka vino a Estados Unidos con planes de enviar a buscar a su familia poco después, pero al regresar a casa, su esposa enfermó y murió. Mientras tanto, la joven Emiko se había involucrado apasionadamente con un hombre de carácter cuestionable, por lo que los padres, después de arreglar un matrimonio por poder, la enviaron a California como esposa del viudo de su hermana. Pero a diferencia de su hermana, la delicada y rebelde Emiko no ama al tosco y abusivo Oka-san, y pasa sus días anhelando volver a su antigua vida en Japón. Cuando Oka finalmente trae a su hija Kiyoko a vivir con ellos, Masako, reacio, se ve presionado para hacerse amigo de ella y, finalmente, se ve arrastrado a la trágica y volátil situación doméstica de los Oka.
Y Soul Shall Dance se estrenó el 23 de febrero de 1977 en el teatro con exención de equidad de 99 asientos de East West en East Hollywood, en Santa Monica Boulevard, cerca de Hoover Street. La producción contó con dos elencos alternos, así como un escenario giratorio circular, la casa Murata a un lado y el porche trasero de los Okas al otro.
La obra fue un éxito instantáneo; Dan Sullivan, el crítico de teatro de Los Angeles Times , se convirtió en su mayor defensor, calificándola de “hermosa obra, basada en un conocimiento absolutamente autorizado de quiénes eran estas personas y cómo vivían”. Al comparar la ingeniosa mezcla de humor y patetismo de la obra con las obras de Anton Chekov, su entusiasta reseña y muchas otras aseguraron que la sala estuviera llena durante la ejecución de la obra, ampliada a 53 representaciones.
Todas las noches, el público salía del teatro reflexionando sobre el destino de la señora Oka, quien, al final, vestida con un kimono demasiado elegante para su desolado entorno, canta “And the Soul Shall Dance” en japonés (“ Kokoro Ga Odoru ”) y, como perdida para siempre en su sueño de regresar a su vida de gracia y cultura en Japón, baila lentamente fuera del escenario.
Yamauchi, que nunca buscó el centro de atención, ahora se había unido oficialmente al panteón de escritores asiático-americanos pioneros. Según Esther Kim Lee, autora de A History of Asian American Theatre , la obra de Yamauchi puso a East West Players en el mapa. Allanó el camino para obras posteriores sobre la experiencia asiático-estadounidense y pronto se convertiría en un elemento básico en las temporadas inaugurales de muchas compañías de teatro asiático-estadounidenses que surgieron en todo el país.
Soul ganó cuatro premios Los Angeles Drama Circle, incluida la mejor obra nueva, y apareció en el Anuario del Teatro Burns Mantel de 1976-1977. Fue filmada para la televisión pública por KCET Los Ángeles y se emitió en 1978. Llegó a Nueva York en 1979, donde fue producida por Tisa Chiang en su Pan Asian Repertory Theatre, en ese momento una compañía residente en La MaMa Experimental de Ellen Stewart. Club de Teatro en el East Village. Chiang produjo Soul nuevamente en Nueva York en 1990, una producción que inspiró al crítico de teatro del New York Times, Stephen Holden, a escribir:
“[La obra] es predominantemente un estudio psicológico de personas que luchan por adaptarse a las estrictas tradiciones y leyes de dos mundos simultáneamente: uno que han abandonado y otro en el que están tratando de forjar una nueva identidad. En la visión imparcial del dramaturgo, Oka y Emiko son las víctimas en gran medida indefensas del apretón entre los dos. Y las escenas más convincentes son aquellas en las que los sentimientos reprimidos de la pareja explotan en violencia, seguidos de una culpa y un masoquismo insoportables”.
Desde entonces, el soul se ha producido en todo el país, principalmente en ciudades con una fuerte presencia japonesa estadounidense, como Seattle y Honolulu, y en Japón, bajo el título Soshite Kokoro wa Odoru .
Por más particular que sea su tema de la experiencia japonés-estadounidense, brindando una valiosa ventana al mundo previo al campamento de los Issei y Nisei (sus alegrías y sus dificultades), la obra toca una fibra sensible universal con audiencias que se sienten conmovidas por la experiencia japonesa-estadounidense. yuxtaposición de los dos personajes femeninos, la señora Murata y la señora Oka, cada uno de los cuales se enfrenta a una existencia sombría y dominada por los hombres de diferentes maneras: Murata con estoica tolerancia, Oka con sus vuelos de fantasía.
Con Soul , Yamauchi había encontrado su voz como dramaturga, así como su entorno: el mundo de su juventud, una cultura trasplantada que lucha por mantener sus valores y tradiciones dentro de un entorno físico y social hostil.
Cuando en ocasiones los críticos acusaban a sus personajes de hablar con tópicos expresados en oraciones simples, Yamauchi se defendía ferozmente, afirmando que esa era la forma en que hablaban los japoneses en el campo, que el desierto y el prejuicio generalizado que los rodeaba allí los obligaba incluso a hablar. a los agricultores menos refinados a convertirse en filósofos, a encontrar algún aforismo u otro que les ayude a enfrentar las fuerzas alineadas en su contra.
Además, gran parte del diálogo era, de hecho, una traducción del japonés (sólo en inglés para el bien de la audiencia estadounidense), lo que requería una cadencia entrecortada, parecida a la japonesa, realidades que Yamauchi, que sin duda era un escritor naturalista, , tuvo que lidiar.
© 2019 Ross Levine
