Você pode falar um pouco sobre seu próprio processo artístico? Referindo-se a algumas peças da mostra JCCC, você poderia falar sobre seu próprio processo de criação? Você pode entrar em detalhes sobre o que as peças significam para você também?
Meio: Aquarela sobre papel aquarela Arches
Dimensões: 22"x 30"
Data: 2013
Gosto de procurar objetos e símbolos comuns para trabalhar. Quase tudo tem possibilidades e cabe a mim, como artista, enxergá-las. Através de um processo de experimentação, contemplação e manipulação, o mundano pode ser transformado em arte. Por exemplo, tenho uma série de trabalhos baseados no símbolo do coração. Esse símbolo é usado em todos os lugares e tornou-se muito restrito em seu significado, que é gostar ou amar algo. Ao adicionar texto e outros elementos, eu queria adicionar nuance e profundidade a um símbolo cansado. Na obra Briars cito o poema de William Blake sobre a repressão religiosa (imagem 2). A imagem 3 traz o texto ALEGRIA+AI.
Para a exposição da JCCC Gallery, organizada e curada por Bryce Kanbara e na qual fiz parceria com a talentosa artista washi Heather Midori Yamada, a bandeira foi a ideia organizadora. Há vários anos que trabalho com imagens semelhantes a bandeiras combinadas com texto. O forte carácter gráfico das bandeiras, tipicamente compostas por riscas e formas geométricas, atraiu-me do ponto de vista visual. Culturalmente, é claro, as bandeiras podem ter grande significado e valor emocional. A imagem 4 é um exemplo do meu trabalho inicial com bandeiras. É intitulado Milagre e faz referência à história bíblica dos pães e peixes nos quais Jesus foi capaz de alimentar milagrosamente a multidão. A pintura tem as palavras PEIXE e PÃO na parte superior e inferior. No meio está o texto “BLU109”. Esse é o nome de uma maravilha tecnológica moderna, uma bomba destruidora de bunkers que afirmava ser capaz de penetrar 2 metros de concreto armado.
Meio: Aquarela sobre papel aquarela Arches
Dimensões: 22"x 30"
Data: 2012
As bandeiras na exposição da Galeria JCCC podem ser vistas como fluidas, dobradas, amassadas e contorcidas. Eles podem ser considerados subindo no ar, caindo e presos em gravetos e móveis ou descartados no chão. As imagens 5 a 10 ilustram um pouco disso.
Mídia mista: aquarela sobre papel de engenharia moldado, folha de plástico
Dimensões: variável
Data: 2016
Queria que as bandeiras fossem uma representação visual do pensamento complicado, bem como do desespero das pessoas e das sociedades sob a crescente pressão da degradação ambiental, das doenças desenfreadas, dos ataques terroristas e do medo de estranhos, para citar apenas algumas preocupações modernas. O símbolo da bandeira pode incorporar orgulho e esperança para o futuro, mas também formas excludentes de nacionalismo, como o desejo de pureza racial.
A Imagem 11, intitulada Sou Puro/Impuro , é um texto com a palavra impuro impressa diversas vezes em duas listras vermelhas. O espectador poderia ler o mesmo texto, como o título indica, de duas maneiras. O trabalho pretende abordar questões de exclusão de inclusão.
Mídia mista: aquarela sobre papel de engenharia moldado, cadeira
Dimensões: variável
Data: 2017
A peça de parede em baixo relevo intitulada Ocultar (imagem 12) apresenta um coração com fundo em padrão camuflado. Implica que às vezes as crenças e intenções têm de ser ocultadas.
Médio: Aquarela em papel de engenharia moldado
Dimensões: Aprox. 41" A x 50" L x 9" P
Data: 2017
Mídia mista: aquarela sobre papel de engenharia moldado, barbante, prego cortado, moeda de um dólar
Dimensões: variável
Data: 2017
A venda (imagem 13) está pendurada em um prego e é contrabalançada por uma moeda de um dólar enrolada em um barbante. Em letras grandes as palavras “eu sou” são repetidas três vezes. Mais abaixo na escultura e em letras menores estão as palavras “à venda”. Com a primeira parte do texto, eu quis dizer isso como uma afirmação da existência de alguém, mas enquanto pensava sobre o trabalho, li um artigo escrito pelo escritor filipino-americano Alex Tizon, no qual ele descrevia a vida da babá de sua família e servo que, pela maioria das definições, teria sido considerado um escravo. Decidi tentar capturar ambas as situações de uma só vez.
Eis que a mochila Lowly (imagem 14) resume muito do que trata a exposição. Aborda o fato de que a mochila não é mais um objeto neutro e cotidiano. Uma mochila desacompanhada em certas situações pode ser considerada uma ameaça séria. O objeto em forma de bandeira que sai da mochila pode representar as crenças e ideologias extremas que motivariam uma pessoa a transformar a mochila em uma bomba. Por outro lado, uma mochila transportada por um refugiado poderia transportar todos os seus bens materiais. Assim, a mochila torna-se a semente a partir da qual podem crescer as esperanças e os sonhos de segurança e de um novo começo.
Mídia mista: aquarela sobre papel de engenharia moldado, mochilas
Dimensões: variável
Data: 2015
Criminosos, traficantes de drogas e estupradores (imagem 15) cita a caracterização de Donald Trump de muitos imigrantes mexicanos indocumentados nos Estados Unidos. Esta obra é uma representação do muro entre o México e os Estados Unidos que o presidente Trump pretende construir. A bandeira tem as cores da bandeira americana e está voltada para a fronteira mexicana. De suas dobras sobressai uma arma. Espalhados em frente à bandeira estão entulhos de concreto, areia e uma garrafa de água. Os escombros fazem referência à Jericó bíblica, a areia e a garrafa referem-se à difícil travessia do deserto que alguns migrantes fazem e às garrafas de água que todos carregam. Muitos morrem no caminho devido à desidratação e exposição.
Mídia mista: aquarela sobre papel moldado, arma de plástico, entulho de cimento e tijolo, garrafas plásticas de água, areia, capa da revista New Yorker (14 de novembro de 2016)
Dimensões: variável
Data: 2016
Ofereço essas interpretações como sendo uma entre muitas. Acredito que uma obra de arte tem vida própria, independente de seu criador.
Que tipo de coisas inspiram você?
Ultimamente, descobri que não é apenas o estímulo externo que fornece inspiração, mas igualmente importante é o meu estado de espírito, a minha receptividade. Se estou aberto e com uma mentalidade criativa, a inspiração pode vir de qualquer lugar e de qualquer coisa. Todas as coisas adquirem potencial para fazer arte. Na verdade, o problema é entrar e manter esse estado aberto. Na minha experiência, os elementos da vida diária que dificultam isso são ter uma agenda muito ocupada, ter preocupações extras além de todas as normais com as quais temos que lidar, por exemplo. As coisas que me ajudam a ter uma preparação criativa, por assim dizer, são um horário definido, música, poesia e uma boa dose de solidão. Menciono poesia porque a considero intimamente relacionada ao trabalho com arte textual, pois ambos devem escolher as palavras com cuidado e as palavras escolhidas geralmente estão repletas de camadas de significado.
Você sempre se viu como um artista? O que você espera realizar como artista?
Sempre tive uma grande vontade de fazer coisas e senti uma grande satisfação em fazê-lo. Como artista espero deixar o que está do avesso e assim concretizar a minha visão artística. Esse é o primeiro e mais importante passo. Expor e fazer com que as pessoas reajam favoravelmente ao trabalho também são muito importantes, mas secundários.
Você está satisfeito com o rótulo de artista “aquarela”? Como sua arte pode ser descrita de forma diferente? Como você se descreve como artista? Como você está evoluindo como artista?
Dedico-me ao meio aquarela, mas acho o rótulo muito limitante. Devido à longa tradição da aquarela e a um estabelecimento determinado a manter e proteger essa tradição à custa da diferença e da inovação, o público tem uma noção forte e preconcebida e atrofiada de que tipo de arte você faz quando diz que é um aquarelista. Sendo essa arte composta por obras relativamente pequenas, apresentadas sob vidro, de natureza predominantemente representacional e com aspecto distinto das obras em acrílico ou óleo. Meu trabalho, por outro lado, tende a ser grande, muitas vezes apresentado sem moldura, pode ter um elemento dimensional e usa uma paleta mais escura do que a maioria das aquarelas. Outras características do meu trabalho são o uso do texto, a abstração e o caráter minimalista.
No futuro, gostaria que minha arte fosse mais reativa ao ambiente em que será exibida. Por exemplo, na exposição na Galeria JCCC, formei uma peça na galeria usando algo do armazenamento da galeria. A ideia de não controlar todos os aspectos da produção artística e deixar uma obra interagir com o que a rodeia me atrai.
Alguma reflexão sobre o show anterior do JCCC?
A exposição da Galeria JCCC foi satisfatória em diferentes níveis. Do ponto de vista profissional, esta foi a primeira mostra em que todas as peças que expus eram de natureza tridimensional. Muitas das peças nunca haviam sido expostas em uma galeria antes, o que fez parecer que eu as estava vendo pela primeira vez. Além disso, tive o prazer de expor publicamente, pelo menos uma vez, uma obra que tem um contexto político contemporâneo que pode perder a sua relevância se as circunstâncias mudarem.
A nível pessoal, foi um grande prazer trabalhar com outros artistas nipo-canadenses. A colega artista, Heather Midori Yamada, curadora/artista e organizadora da mostra, Bryce Kanbara e eu parecíamos compartilhar uma atitude semelhante e que era aparecer, cumprir nossos compromissos e fazer o trabalho com o mínimo de barulho. Não sei se a nossa visão comum era uma questão geracional, uma vez que não tínhamos idades muito diferentes, ou uma crença no profissionalismo nas artes, ou uma característica cultural de sermos nipo-canadenses. Provavelmente foi um pouco de todos esses elementos.
Para obter mais informações sobre Warren Hoyano, visite warrenhoyano.com .
© 2017 Norm Ibuki
