Nací en Japón y cuando tenía ocho años mis padres decidieron que íbamos a emigrar a Brasil. Pasamos cuarenta largos días a bordo del Sakura-maru mientras cruzaba el Océano Pacífico, lo que hizo que la distancia entre los dos países pareciera aún mayor. Con el paso de los años en tierras brasileñas, la cuestión de la identidad se convirtió en algo marcadamente presente en mi vida: mi cultura original y la local se enfrentaron, a veces chocaron, otras veces se separaron, otras veces se separaron, otras veces chocaron, otras veces se separaron, otras veces se fusionaron. Como resultado, si pertenecía a “aquí” o “allá” se convirtió en una pregunta que me hacían casi a diario, una pregunta que permaneció sin respuesta hasta el momento en que abracé este espacio de intervalo como un “lugar posible”. lleno de potencialidades, mezclas y lo rico y nuevo.
Es una perspectiva que corresponde al espacio intermedio, un “espacio fronterizo” que los japoneses llaman Ma y que se manifiesta en todos los ámbitos culturales; por ejemplo, en arquitectura, a través de las terrazas engawa de las casas tradicionales japonesas, áreas pertenecientes al interior y/o al exterior, dependiendo de cómo se organice la relación entre los ambientes. En este sentido, la cuestión de la identidad es a la vez fluida y abierta a la “concordancia” que uno quiere establecer entre diferentes culturas: así se construyen identidades nuevas y diversas.
El trabajo de investigación de la exposición Transpacific Borderlands: The Art of Japanese Diaspora in Lima, Los Angeles, Mexico DF y São Paulo transmite gran parte de esta experiencia, habiendo comenzado en 2014 con un cuestionario destinado a artistas cuyo enfoque se centraba en la cuestión de la identidad. . Las respuestas generaron una amplia gama de contenidos. De manera genérica, se podría decir que los latinoamericanos japoneses pertenecen simultáneamente a dos o más lugares o, en algunos casos, a ningún lugar.
La “concordancia” que establecen los artistas con el ámbito político, económico y social varía según el país donde se han instalado: en Perú se puede ver fácilmente la importancia del gobierno de Fujimori; en México, donde tuvo lugar la primera inmigración japonesa a América Latina, la presencia de artistas japoneses está fuertemente ligada a su pasión por la cultura mexicana; en Estados Unidos, lo que los japoneses tuvieron que afrontar durante la Segunda Guerra Mundial no tiene paralelo; y en Brasil, que tiene la comunidad japonesa más grande del mundo, la formación de grupos artísticos en la década de 1930 es un acontecimiento importante.
En el caso de Brasil, existe una gran diferencia entre los artistas japoneses inmigrantes de antes de la guerra que llegaron como trabajadores agrícolas a partir de 1908, y los de la posguerra, que a su llegada ya contaban con una formación artística procedente de Japón. También están aquellos artistas descendientes de japoneses de segunda, tercera y cuarta generación, en quienes es posible observar una amplia gama de identidades: algunos, de diferentes maneras, tienen una conexión intrínseca con Japón; otros niegan su identidad japonesa; también hay quienes crean otro Japón dentro de Brasil y quienes no sienten la necesidad de identificarse con un grupo étnico.
Para la curaduría de la exposición se eligieron tres artistas brasileños japoneses: Erica Kaminishi, que reside en París; Madalena Hashimoto Cordaro, de São Paulo; y Oscar Oiwa, que vive en Nueva York.
Erica y su obra tienen un fuerte vínculo con Japón, donde la artista vivió durante dos períodos distintos de su vida: la primera como dekasegi y la segunda como estudiante de posgrado. Esta relación estuvo permeada por el hecho de que ella enfrentó los prejuicios japoneses contra los japoneses brasileños, particularmente durante su primera estancia en ese país.
En la exposición presenta el cerezo, símbolo de la fugacidad y la primavera en Japón, en una instalación llamada Prunusplastus , que presenta más de 3.000 flores artificiales insertadas en placas de Petri que cuelgan del techo. El artista crea una floración de cerezos de plástico, encerrados en cubiertas del mismo material y que nunca se desvanecen. Juega así tanto con la oposición entre naturaleza y ciencia, al yuxtaponer las flores a las placas de Petri, como entre lo efímero y la permanencia, reemplazando la fugacidad característica de las plantas por una materialidad duradera, algo que también revela la mirada crítica del artista sobre esta simbología. tan ampliamente conocido en Japón y en todo el mundo.
Esta oposición también se encuentra en Nubes , una obra de arte de cuatro paneles que combina la estética japonesa: el uso de la nube, un elemento muy común en la pintura japonesa; la presencia de tonos dorados, que se encuentran comúnmente en las pinturas de la Escuela Kano, con el poema en portugués de Fernando Pessoa “Lo que vemos de las cosas son las cosas mismas” (de Alberto Caeiro [un heterónimo de Fernando Pessoa], El guardián de las ovejas , Poema XXIV ).
A continuación destaco dos fragmentos del texto:
Lo esencial es saber ver,
Para saber ver sin pensar,
Para saber ver cuando estamos viendo,
Y ni siquiera pensar cuando vemos
O ver cuando pensamos.
Pero esto (¡lástima de nosotros que llevamos consigo el alma vestida!),
Esto exige un aprendizaje profundo,
Aprendiendo a desaprender
En un primer momento, el poeta señala nuestra incapacidad para ver las cosas tal como son, libres de todas las ideas preconcebidas que nos acompañan cada vez que miramos algo. Ver un cerezo en flor en la naturaleza nos da una sensación de encantamiento, una sensación de posibilidad de desapego de nuestros pensamientos, de desnudar el alma... además, una obra de arte deslumbrante también evoca el sentimiento de grandeza.
Y las flores, penitentes de un día,
Pero donde, en definitiva, las estrellas no son más que estrellas.
Y las flores pero flores,
Por eso los llamamos estrellas y flores.
Esta referencia a las flores efímeras es la razón por la que Erica inscribió en la propia obra o llenó varios espacios con los versos del poema, algo que pasa desapercibido para quienes tienen un ojo menos observador.
Madalena Hashimoto Cordaro viajó varias veces a Japón para estudiar lengua y arte japoneses, y obtuvo una maestría en Artes en Estados Unidos. Durante muchos años fue docente en el Centro de Estudios Japoneses de la Universidad de São Paulo, además de ser una eminente investigadora de las pinturas de la época Edo (1603-1868).
Apoyada en su experiencia académica, también incorpora técnicas y formas de pensar japonesas en sus obras de arte, incluida la yuxtaposición de elementos, la secuenciación libre del concepto de causa y efecto, la serialización, la introducción de temas japoneses y el orihon (“libro de acordeón”). ") estilo. Sin embargo, sus recuerdos de su infancia y adolescencia en Brasil permanecen presentes en su obra, como sus recuerdos de la fe católica (su familia pertenecía a cristianos ocultos [de Japón]) y el movimiento estudiantil de la década de 1960 que se encuentran en el orihon . Fotografías de amigos, conocidos y de ella misma, así como de figuras icónicas japonesas y occidentales conforman la obra de arte Thousands Faces .
Algunas de las técnicas utilizadas en la creación de esta obra de arte, como la colagrafía y la infografía, eran novedosas en la época en que el autor vivía en Estados Unidos. El nombre en sí, Miles de caras , provoca un diálogo sobre el uso de números en creaciones artísticas, como la famosa obra de arte Treinta y seis vistas del monte Fuji de Hokusai, al tiempo que hace referencia al tema de la serialización. Para el artista, la obra reflejaba no la búsqueda misma de identidad, sino la expresión de la mirada de la diversidad –por parte de alguien que ha vivido en Japón, Estados Unidos y Brasil–, además de darle igual importancia a los rostros de cada grupo étnico.
Oscar Oiwa estudió arquitectura, participó de la XXI Bienal Internacional de São Paulo, convivió con artistas extranjeros y decidió dejar Brasil para experimentar la escena artística de Japón, donde vivió durante casi diez años. A esto le siguió un año en Londres y 16 años en Nueva York. Para él, la etnicidad no es un tema sobre el que reflexionar, ya que se considera un ciudadano del mundo.
Como resultado, en las dos obras de arte de este artista incluidas en la exposición se puede ver la multiplicidad de esa visión: Crowd fue creada en Japón, y es posible, al observarla, sentir la falta de espacio en la pintura: la compactación de edificios, en tonos negros, grises y amarillos que producen un curioso juego de luces y sombras. En la obra Black Snowman sorprende al observador mostrando copos de nieve negros y un muñeco de nieve negro, creando así un paisaje fantástico a través de recortes de imágenes del interior de las casas. Según el artista, los copos de nieve negros son una metáfora de las balas de plomo, vistas con frecuencia en las favelas brasileñas.
Como ciudadano del mundo, Oiwa plantea el tema de la globalización o acción global, un tema de discusión muy frecuente hoy en día, y consecuencia de la facilidad de la movilidad tanto física como virtual, esta última a través de las comunicaciones digitales. Las fronteras nacionales se borran, los hábitos y las culturas se conectan, la comunicación crece entre los sistemas organizacionales de pensamiento, y éstos pueden hibridarse, generando así nuevas experiencias, asociaciones e interconexiones.
Vivimos en una época en la que la identificación se entiende como un constructo a través del tiempo, a través de procesos conscientes e inconscientes, y no como algo innato. De esta manera, la afinidad tiene un llamado más fuerte, permitiendo pertenecer a tribus o culturas con las que se siente mayor empatía, sin tener que quedarse con una nacionalidad preestablecida.
Volvemos al principio: ni aquí ni allá, sino un espacio Ma formado por una identidad fluida y multifacética.
Es este espíritu el que anima la exposición Transpacific Borderlands : si bien ha habido exposiciones de artistas japoneses peruanos, japoneses mexicanos, japoneses americanos o japoneses brasileños, hasta el momento no ha habido exposiciones que los hayan reunido a todos, colocándolos uno al lado del otro. lado. Por eso creo que esto es un hito en la historia de las exposiciones de arte. Y dado que los artistas tienden a estar a la vanguardia de las transformaciones culturales, además de ser agentes en la creación de nuevas identidades, este evento es un testimonio de un momento importante en la historia latina japonesa vista desde la perspectiva de las artes.
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Fronteras transpacíficas: el arte de la diáspora japonesa en Lima, Los Ángeles, Ciudad de México y São Paulo
17 de septiembre de 2017 – 25 de febrero de 2018
Museo Nacional Japonés Americano, Los Ángeles, California
Esta exposición examina las experiencias de artistas de ascendencia japonesa nacidos, criados o que viven en América Latina o en barrios predominantemente latinoamericanos del sur de California.
© 2018 Michiko Okano
