Las manifestaciones artísticas podrían dividirse en la misma cantidad de artistas que pueden existir. Cada talento parece construir un universo propio de técnicas, métodos y significados para su obra. La de Sandra Nakamura Lam (Lima, 1981) es tan particular que en ella se mezclan la investigación histórica, el diseño de espacios, la definición de conceptos y el sentido social.
En ello mucho tiene que ver la formación profesional (arquitectura) que Sandra supo abandonar cuando descubrió que su trabajo más que funcional debía ser creativo, en parte siguiendo la motivación que las artes le habían producido siempre. “Ser artista, más que una profesión, es una vocación”, dice luego de más de 10 años dedicados a crear una obra que trata de no encasillar, aunque lo suyo sean las instalaciones.
Sacar al arte de la pintura, la arcilla o el papel, y llevarla al espacio geográfico fue su primera revelación como creadora, en tiempos en que había viajado a San Diego, para estudiar en la Universidad de California, especializándose en cine, video y fotografía, y continuando su formación en Alemania, en la Bauhaus Universität Weimar, donde hizo su maestría en Arte de espacios públicos.
Fuera de su espacio
Cuenta que en Alemania vivió lejos de las metrópolis, pero en la ciudad que acogió a Goethe y Schiller, a Bach y Franz Liszt, a Nietzsche. Consiguió una beca que le permitió pasar un año allí, tiempo en el cual afianzó sus estudios teóricos. “Muchos artistas que se forman como tal, trabajan más la parte plástica de los materiales. Yo los elijo según el proyecto que tengo en mente”.
Pasar casi toda su vida profesional fuera del Perú tuvo implicancias particulares en el trabajo de Sandra. “Cuando regresaba, no conocía a nadie de la escena local, eso podía ser una desventaja”, cuenta. Por suerte, una galerista, Frances Wu, supo de su trabajo y desde el 2010 trabajan juntas, viajando a ferias con exhibiciones que han pasado por Ecuador, Colombia, México, Estados Unidos, España, Japón, Hong Kong, entre otros países.
Su primer trabajo expuesto en Perú fue gracias a “Pasaporte para un artista”, programa convocado por la Embajada de Francia en el Perú y la Alianza Francesa de Lima. En el 2007 fue seleccionada para realizar una intervención que significó trasladar la palabra “Cine” del letrero del antiguo cine Tauro (cuando había dejado de funcionar como tal) para ubicarlo en una sala junto a un pequeño visor de diapositivas que contenía una fotografía de la fachada del local después de la intervención.
El lenguaje de las dimensiones
Apreciar un objeto fuera de su lugar es parte de la filosofía de las instalaciones y las intervenciones, un arte que han cultivado algunos referentes de Sandra Nakamura, como Gordon Matta-Clark, Unka Wara o Yoko Ono. Un año antes, en Huesca, España, ya había realizado una intervención llamada “Un metro cuadrado en algún rincón del mundo”, que consistió en colocar 150,000 monedas de un céntimo (equivalentes a 1,500 euros) cubriendo 35 metros cuadrados de una sala del Centro Cultural El Matadero.
Estas representaban la dimensión del departamento más pequeño de esa ciudad, con lo que buscó reflexionar sobre el significado de la migración, la propiedad y la vivienda. “Puse avisos en los periódicos para comprar un metro cuadrado de terreno. Al final, no llegué a comprarlo perotomé más de un metro cuadrado de una pasarela peatonal en el centro de la ciudad y lo cubierto con monedas de un centavo. Era mi forma de calcular cuánto costaba”.
La acción también se entendía como una oferta en la que compraba simbólicamente ese espacio. Similar sentido tuvo “C’est pas le Pérou” (“No vale un Perú”), que se expuso en la galería Wu, de Barranco, en el 2010, donde para replantear el valor que se le da a las cosas, colocó 200 mil monedas de un céntimo.Cada centavo representa un millón de dólares que abonan en impuestos los trabajadores latinoamericanos indocumentados que viven en Estados Unidos.
La política del arte
Sandra aclara que lo suyo no es hacer arte con un compromiso político sino más bien con una mirada social, capaz de reflexionar y cuestionar. Eso la ha llevado a conocer más la realidad y a darle un nuevo sentido al espacio y al concepto de arte. En 2014, uno de sus trabajos fue montar un letrero similar al que hay en Hollywood, en Los Ángeles, en Villa María del Triunfo, un distrito limeño en la periferia de la ciudad, donde no todos los hogares tienen agua.
El mensaje “Una promesa es una nube” estaba hecho con un material especial que ayuda a capturar la niebla para ‘cosechar’ el agua. “Fue una gran experiencia porque nos reunimos con una comunidad, nosotros financiamos la producción y ellos pusieron la mano de obra”. En 2016, otro trabajo suyo tuvo partió del significado de la naturaleza (la geografía) y su relación con la sociedad. El salar de Uyuni, en Bolivia, fue motivo para reflexionar sobre la ausencia de mar en ese país y los conflictos que genera.
“Colorless to White” es una estructura de sal construida como un sinuoso muro que va a generar una serie de dibujos de la artista que acompañan esta instalación reflejada en un acrílico como un espejo de agua, y que se exhibió en Miami, en el Cisneros Fontanals Art Foundation, como parte del programa de becas que busca darle visibilidad al arte latinoamericano en los circuitos internacionales de la creación contemporánea.
Sal
Cisneros Fontanals Art Foundation – Foto por Oriol Tarridas
Origen oriental
Este año, el trabajo de Sandra Nakamura volverá a Estados Unidos, cuando participe de la muestra Tierras Fronterizas Transpacíficas: El Arte de la Diáspora Japonesa en Lima, Los Ángeles, Ciudad de México y Sao Paulo, en la que trece renombrados creadores de estas ciudades harán diversas exhibiciones, de lo tradicional a lo experimental, mostrando cómo la historia, la patria, las comunidades étnicas, mezcla racial y el cosmopolitismo aportan a la creatividad y la estética de culturas híbridas como la nikkei.
Esta exhibición es parte de “Pacific Standard Time: LA/LA”, una exploración del arte latinoamericano en diálogo con Los Ángeles, que se realizará entre septiembre de 2017 y enero de 2018 en más de 70 instituciones culturales del sur de California, entre las que se encuentra el Japanese American National Museum.
“Creo que esta relación con lo japonés, de alguna manera, se manifiesta en mí en el tratamiento de los materiales. Yo, por ejemplo, uso muchísimo blanco, la cuestión monocromática, más minimalista. No sé si son cosas que aprendí estando en Japón o que aprendí de mi casa, de los abuelos, de cómo estaban organizadas sus casas y sus espacios”.
En 2008, Sandra fue artista residente en Kitakyushu, una ciudad en la isla de Kyushu, prefectura de Fukuoka, donde estuvo diez meses. “Creo que mucho de mi trabajo se informa a través de la experiencia del viaje. Y de la experiencia de sentirse ligeramente desplazado, pero de una manera constante. Nunca fui completamente peruana, me fui a estudiar a Estados Unidos a los 17 años. Luego me fui a Alemania y a Japón siempre sin conocer el idioma”.
De alguna manera, su lenguaje ha sido el arte, el código con el que puede construirse un espacio propio. Para una creadora cuyos abuelos fueron inmigrantes, de Japón y China, investigar el espacio como ella lo hace, con afán histórico, deseo de darle sentido y una mayor carga expresiva, el lenguaje del espacio parece guardar todavía muchos más mensajes. “El arte debe ayudar a cambiar la manera de ver el mundo”, dice Sandra.
* * * * *
Tierras Fronterizas Transpacíficas: El Arte de la Diáspora Japonesa en Lima, Los Ángeles, Ciudad de México y Sao Paulo
17 de septiembre de 2017 - 25 de febrero de 2018
Japanese American National Museum, Los Angeles, California
Esta exposición examinará las experiencias de los artistas de ascendencia japonesa que nacieron, crecieron o residen tanto en América Latina como en barrios predominantemente latinos en el Sur de California. Sandra Nakamura es una de las artistas destacadas en esta exposición.
© 2017 Javier García Wong-Kit
