La próxima exposición
Cómo Oriente se encontró con Occidente en la fotografía se revela en una próxima exposición en el Museo Nacional Japonés Americano (JANM). Making Waves: Japanese American Photography, 1920–1940 estará expuesta del 28 de febrero al 26 de junio de 2016. La exposición contiene 103 grabados que incluyen naturalezas muertas, paisajes, retratos y abstracciones más experimentales. Las imágenes fueron obtenidas de las familias de los fotógrafos, colecciones privadas e instituciones públicas. Muchas de las fotografías aparecen en público por primera vez. Se exhibirá una variedad de publicaciones que han incluido algunas de las fotografías exhibidas a lo largo de los años. Los visitantes verán las cámaras que poseían y utilizaban tres de los fotógrafos y un trofeo ganado por uno de los demás. Los vídeos incluirán entrevistas con los hijos de algunos de los fotógrafos expuestos y las imágenes de sus familias.
Han pasado 30 años desde la primera exposición integral de fotografía japonés-estadounidense. Dennis Reed, profesor emérito de arte en Los Angeles Valley College, fue curador de la muestra original, así como de la exposición actual de JANM. Al profesor Reed le gustaría que esta exposición eventualmente viajara por todo el país. Ha dedicado 35 años a la fotografía japonés-estadounidense y espera que su pequeño círculo íntimo de colegas siga ampliándose.
Se anima al público a ver esta exposición y utilizar este artículo como guía. Para aquellos que no pueden concertar una visita, este artículo proporciona algunas indicaciones para estudiar en casa .
Diseño Espiritual en las Bellas Artes y Decorativas
En 1853, el comandante naval estadounidense, Matthew Perry, restableció el comercio y el discurso entre Japón y el mundo exterior después de dos siglos del sakoku japonés, o un período de aislamiento nacional. De repente, los occidentales descubrieron nuevas artes y artesanías japonesas, que les resultaron atractivas en muchos sentidos.
El arte decorativo, que consiste en objetos cotidianos funcionales, producidos con una variedad de materiales como cerámica, laca y textiles, a menudo mostró el mismo nivel de maestría y diligencia que las bellas artes como la pintura y la escultura. Normalmente, los artistas japoneses no buscaban copiar el mundo físico con tanta precisión como los occidentales. Más bien, los artistas japoneses cristalizaron, más profundamente, un gran diseño subyacente a lo que consideraban apariencias externas superficiales.
Cuando los pintores impresionistas europeos comenzaron más tarde, en la década de 1870, a capturar cambios en la iluminación, momento a momento, los pintores japoneses continuaron su propia tradición de representar patrones más duraderos, como el cambio cíclico que es perceptible en las estaciones del año y las fases mensuales de la luna. Motivos similares se encuentran, por ejemplo, en pergaminos y biombos japoneses. Con cada paso, había tristeza, lo que los japoneses llamaban “el patetismo de las cosas”. Pero estaba equilibrado con la expectativa de retorno y renovación, como cuando los cerezos reaparecen cada primavera. Era un contraste refrescante con las flores marchitas y los cráneos comunes en las naturalezas muertas occidentales que significaban una belleza fugaz, que inexorablemente conduce a la muerte, un mensaje estridente de que toda vanidad es una locura.
La perspectiva japonesa confería inmortalidad a todo, tanto a lo animado como a lo no vivo. Nada era insignificante. Del mismo modo, nada dominaba. Los seres humanos estaban conectados con todo lo demás. En el arte japonés, a los humanos se les otorga el modesto y legítimo lugar que nos corresponde en el universo. Los rostros humanos no tienden a ser muy individualizados. Los torsos humanos tienen formas y posturas para integrarse en un diseño general, el esquema de las cosas.
La belleza natural, en sus formas más simples, manifiesta un orden en el universo, que los artistas japoneses capturan con delicadeza, a menudo a través de la abstracción, ya sea un grabado en madera, un verso de haiku, una ceremonia del té o un arreglo floral (Dennis Reed, 1988). . Esta fidelidad japonesa al diseño hizo que sus artes y oficios fueran decorativos a los ojos de los occidentales, se reconociera o no la dimensión espiritual. De particular interés para los pintores occidentales fueron los grabados en madera japoneses, o ukiyo-e . Por lo general, las impresiones tenían colores vivos y formas geométricas amplias.
Un aspecto más profundo fue el sorprendente espacio negativo que normalmente aparece como un vacío entre objetos físicos. Se ajusta a la noción japonesa de un vacío que no puede durar, al igual que una promesa que no puede quedar sin cumplir. Una reverencia tradicional japonesa se detiene justo antes de que el torso vuelva a la posición erguida, para acentuar la muestra de respeto. Con interrupciones silenciosas, las artes escénicas y las ceremonias brindan momentos para la reflexión, una limpieza de la mente antes de reunir la energía creativa necesaria para manejar la tensión dramática. En el arte decorativo japonés, no es necesario representar la vida de forma explícita. A menudo se omiten detalles incidentales como la textura y el sombreado de los objetos. Incluso se pueden omitir objetos completos, o sólo partes de ellos.
Más importante que los detalles es la armonía y el equilibrio de la naturaleza, que se refleja en el arte decorativo japonés mediante la conexión de elementos. Por ejemplo, el primer plano y el fondo se pueden acercar aplanando la imagen mediante una reducción u omisión de la perspectiva lineal. Los pintores occidentales quedaron tan fascinados por el arte japonés que tomaron prestados elementos decorativos. La influencia también fluyó en dirección opuesta.
Fotografía Imitando Arte
El intercambio cultural que enriqueció la pintura se produjo también en la fotografía. Esta historia es desconocida para la mayoría de los profanos, que tienden a considerar la fotografía intrínsecamente realista, esperando siempre que reproduzca el mundo visual en cada detalle, sin ver el potencial poético y decorativo de la fotografía. La mayoría de la gente no se da cuenta de que los fotógrafos japoneses-estadounidenses ( nikkei ) e incluso algunos de sus homólogos blancos en Estados Unidos y en el extranjero (incluidos algunos destacados foto-secesionistas como Edward Steichen, George Seeley y Clarence White) abandonaron el realismo en toda regla y adoptaron un enfoque más pictórico, incluso pictórico, más acorde con la tradición japonesa. El pictorialismo destacó de manera prominente un enfoque suave y de ensueño, creado con lentes adecuadamente diseñadas y elaborados procesos de impresión.
Al igual que la pintura decorativa, la fotografía pictórica parecía ordenada. Una imagen completa podría incluso incluir sólo un objeto geométricamente interesante. A menudo una escena se reducía a lo esencial. Parte de un objeto podría sugerir el todo. Un espectador podría verse atraído por el tira y afloja entre los objetos e ignorar cualquier asimetría de composición.
La fotografía pictórica realizada por japoneses estadounidenses redujo o eliminó la perspectiva lineal apuntando la cámara hacia abajo o, aún más drásticamente, limitando el campo a un fondo que era una superficie plana como una pared. Si desea algo de profundidad, un fotógrafo podría recurrir a la perspectiva aérea, que consiste en formas superpuestas, a menudo colinas y montañas, que adquieren un tono más claro a medida que retroceden en el espacio.
Elementos de diseño adicionales aparecen en una fotografía particular del Monte Rainier en las afueras de Seattle, que se asemeja a pinturas japonesas del icónico Monte Fuji de su país. La escena se titula La montaña que era Dios y fotografiada por Iwao Matsushita. La cresta puntiaguda de un pino solitario, místicamente distinguida como una silueta en primer plano, dirige nuestra atención hacia un pico iluminado por el sol al fondo. El árbol es más que un simple acento que destaca por la asimetría. Elevándose por encima de la abundante niebla de la fotografía, característica del noroeste del Pacífico y de los bosques japoneses, la corona radiante del monte Rainier es celestial. Las sombras grandes y atrevidas que contrastan dramáticamente con la luz son mucho más que un espacio negativo decorativo.
Colección de la familia Uyeda.
El diseño ordenado del universo, que era parte integral de la perspectiva japonesa, se extendió también a escenas menos idílicas, como se desprende de algunas fotografías nikkei. En una fotografía, una pequeña mancha oscura, apenas reconocible como una persona, proporciona un acento humano menor a una composición fría y geométrica, esta titulada El Pensador. El fotógrafo Hiromu Kira eligió como tema la presa de Hollywood, con sus amplios salientes curvos y paralelos. O considere una fotografía titulada Reflexiones sobre la acequia petrolera de Shigemi Uyeda. De nuevo prevalecen las formas geométricas simples. Una breve lluvia ha dejado manchas de agua perfectamente circulares, que parecen nenúfares, flotando extrañamente sobre aceite que se ha endurecido con el clima frío. Esta vez no hay ninguna figura humana presente para cruzar el patrón tranquilo, pero sí el reflejo oscuro de una torre de perforación de petróleo descentrada en el fondo. La escena está a unas 15 millas de Little Tokyo en Los Ángeles. En una presentación aún más atrevida, Hiromu Kira hace desaparecer viales de vidrio girándolos en determinadas direcciones, dejando sólo bordes luminosos que forman curvas fantasmales que parecen flotar (título: Curvas ).
Colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
Los fotógrafos japoneses adoptaron algunos métodos europeos poco convencionales. El Ashiya Camera Club cerca de Kobe, Japón, utilizó procesos modernos sin cámara desarrollados por europeos, como fotogramas (por ejemplo, papel sensible a la luz únicamente) y montajes (la superposición de imágenes fotografiadas). Los fotógrafos japoneses incluso abrazaron el surrealismo, producido mediante técnicas experimentales como la exposición prolongada, la doble exposición y la colocación de objetos de diferente opacidad sobre la película negativa mientras esta última toca el papel de impresión durante la exposición a la luz. Los estadounidenses de origen japonés estaban en general menos dispuestos que los propios japoneses a desviarse tanto de la tradición pictórica.
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Haciendo olas: fotografía japonés-estadounidense, 1920-1940
Museo Nacional Japonés Americano
28 de febrero – 26 de junio de 2016
Making Waves: Japanese American Photography, 1920–1940 es un examen en profundidad de las contribuciones de los japoneses estadounidenses a la fotografía, en particular a la fotografía modernista, gran parte de la cual se perdió como resultado del encarcelamiento masivo de japoneses estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. La exposición, comisariada por el historiador y educador de la fotografía Dennis Reed, presenta 103 obras sobrevivientes de ese período junto con artefactos y objetos efímeros que ayudan a darle vida a la época.
© 2016 Edward Richstone
